Mayan Terracotta Fertility Sculpture

Mayan Terracotta Fertility Sculpture Towards 500 AD to 900 AD Dimensions 6.5 "(16.5cm) tall Medium Terracotta Guatemala origin Fertility figures are among the oldest know images carved by human. Across all cultures and all times, this one sculptural type is truly universal. Indeed, just the form alone touches upon mankind’s first obsession: survival. In this chaotic world where everything is unsure from one day to the next, images such as this would provide comfort and assurance of the continual chain of human life formed one link at a time. This terracotta sculpture is the prototypical fertility goddess. Emphasis is on the bulk of her lower body, on her wide, fleshy hips, the kind perfect for rearing children. She represents the earliest ideal of beauty: the ability to successfully reproduce and thus continue the human chain. Her thighs and pubic region are also stressed. Unlike some other earlier fertility idols, there is also attention paid to her head. All her facial features have been depicted including slightly recessed eyes, pierced ears, and a narrow kneaded band of hair. While our modern magazine standards of beauty could not be more contrasting, it is this image that obsessed our ancestor. She symbolizes durability not fragility, fecundity not adolescence, motherhood not sexuality. This sculpture is the essence of life and procreation. Escultura de fertilidad de terracota maya Hacia 500 AD a 900 AD Dimensiones 6.5 "(16.5cm) de alto Medio Terracota Origen Guatemala La antigua civilización maya era quizás la civilización más avanzada del hemisferio occidental antes de la llegada de los europeos. Abarcando la región que ahora es el este y sur de México, Guatemala, Belice, El Salvador y el oeste de Honduras, la cultura maya alcanzó su punto culminante desde aproximadamente 300 hasta 900 dC Fueron constructores sofisticados, construyeron complejos piramidales y templos masivos sin los avances tecnológicos La rueda o el arco. Eran matemáticos consumados; La primera civilización en formular la noción de ausencia de valor o cero, un concepto matemático extremadamente avanzado. Uno de sus mayores logros intelectuales fue un par de calendarios entrelazados, que se utilizaron para fines tales como la programación de ceremonias. Hoy, son más famosos por lo que dejaron atrás: Las cifras de fertilidad se encuentran entre las imágenes más antiguas conocidas talladas por humanos. En todas las culturas y en todos los tiempos, este tipo escultórico es verdaderamente universal. De hecho, solo la forma sola toca la primera obsesión de la humanidad: la supervivencia. En este mundo caótico donde todo es inseguro de un día para otro, imágenes como esta proporcionarían consuelo y seguridad de la cadena continua de la vida humana formaron un vínculo a la vez. Esta escultura de terracota es la diosa prototípica de la fertilidad. El énfasis está en la mayor parte de la parte inferior de su cuerpo, en sus caderas anchas y carnosas, el tipo perfecto para criar niños. Ella representa el primer ideal de belleza: la capacidad de reproducirse exitosamente y así continuar la cadena humana. Sus muslos y región púbica también están estresados. A diferencia de otros ídolos de fertilidad anteriores, también se le presta atención a su cabeza. Todos sus rasgos faciales han sido representados, incluidos los ojos ligeramente hundidos, las orejas perforadas y una banda estrecha de cabello amasado. Si bien los estándares modernos de belleza de nuestra revista no podrían ser más contrastantes, es esta imagen la que obsesionó a nuestro antepasado. Simboliza la durabilidad, no la fragilidad, la fecundidad, no la adolescencia, la maternidad, no la sexualidad. Esta escultura es la esencia de la vida y la procreación.

A Sui Glazed Terracotta Spirit Guardian

A Sui Glazed Terracotta Spirit Guardian Towards 581 AD to 618 AD Dimensions 11 "(27.9 cm) tall Terracotta Glazed This spirit guardian sculpture is a general type of Chinese art known as mingqi. Mingqi were any variety of objects specifically created for interment in the tombs of elite individuals in order to provide for their afterlife, in this case, to provide eternal protection and security. This figure is a composite creature composed of various animal traits, including a feline head and body, horse legs, a lizard-like spine, and the spiraling horn of a ram rising from the center of his head. The terracotta has been covered with a rich crème-colored glaze of a type that the Sui Dynasty has become famed for. The work was then highlighted by the application of red and black pigments, adding detail to the face and body, such as the eyes, red mouth, and the stripes that decorate the legs and breast, as if the artist was imitating the coat of a tiger. Guardián espiritual de terracota glaseada Sui Hacia 581 AD a 618 AD Dimensiones 11 "(27,9 cm) de alto Medio Terracota glaseada Origen China Originarios durante el período de las Seis Dinastías (222-589 DC), este tipo de figuras se conocen como guardianes espirituales. Un par de tales figuras siempre vigilaban las tumbas de los gobernantes chinos para evitar posibles ladrones o espíritus malignos en el próximo mundo que pudieran intentar infiltrarse en la tumba. Esta escultura de espíritu guardián es un tipo general de arte chino conocido como mingqi. Mingqi era cualquier variedad de objetos creados específicamente para enterrar en las tumbas de individuos de élite con el fin de proporcionar su vida después de la muerte, en este caso, para proporcionar protección y seguridad eternas. Esta figura es una criatura compuesta compuesta por varios rasgos animales, que incluyen una cabeza y un cuerpo felinos, patas de caballo, una columna vertebral en forma de lagarto y el cuerno en espiral de un carnero que se eleva desde el centro de su cabeza. La terracota se ha cubierto con un rico esmalte de color crema del tipo por el que la dinastía Sui se ha hecho famosa. Luego, el trabajo se destacó mediante la aplicación de pigmentos rojos y negros, agregando detalles a la cara y al cuerpo, como los ojos, la boca roja y las rayas que decoran las piernas y el pecho, como si el artista estuviera imitando el pelaje de un Tigre. Aunque esta escultura tenía la intención de repelernos, su fascinante historia y su asombrosa belleza atraen nuestra atención y admiración.

A Superb Gnathian Polychrome Oinochoe with High Handle

A Superb Gnathian Polychrome Oinochoe with High Handle About 400 a. C. to 300 a. C. Dimensions 7.25 ″ (18.4cm) high x 3.25 ″ (8.3cm) wide Medium Terracotta Mediterranean origin The central motif of this charming vessel shows red and white painted leaves growing off of a central branch. The leaves all slant diagonally and frame a central solar motif formed by a series of concentric orange rings surrounded by radiating lines. This oinochoe may originally have contained fine wine, or some other luxury product like oil or perfume. Perhaps it was passed around in Dionysian revelries, wine pouring forth from inside. Its soaring handle and elongated spout give this oinochoe a sculptural elegance typical of ancient Greek pottery. When we hold it today and delight in the beauty of its form and intricate patterns, we share our pleasure with people who lived long ago during the flower of the Classical age. Oinochoe policromado de Gnath con mango alto Hacia 400 a. C. a 300 a. C. Dimensiones 7.25 ″ (18.4cm) de alto x 3.25 ″ (8.3cm) de ancho Medio Terracota Origen Mediterráneo El motivo central de esta encantadora embarcación muestra hojas pintadas de rojo y blanco que crecen de una rama central. Todas las hojas se inclinan en diagonal y enmarcan un motivo solar central formado por una serie de anillos concéntricos de color naranja rodeados de líneas radiantes. Originalmente, este oinochoe pudo haber contenido vino fino o algún otro producto de lujo como aceite o perfume. Tal vez se pasaba en juergas dionisíacas, vino que brotaba del interior. Su mango elevado y su caño alargado le dan a este oinochoe una elegancia escultórica típica de la cerámica griega antigua. Cuando lo celebramos hoy y nos deleitamos con la belleza de su forma y sus intrincados patrones, compartimos nuestro placer con las personas que vivieron hace mucho tiempo durante la flor de la era clásica.

Nok Terracotta Head

Nok Terracotta Head About 300 BC to 200 AD Dimensions 8 ″ (20.3 cm) tall Medium Terracotta Nigeria origin The Nok civilization appeared in Nigeria around 500 B.C. and mysteriously vanished around 200 AD. The civilization’s social system was extremely advanced representing the end of the Neolithic age (Stone Age) and start of the Iron Age in Africa. The Nok civilization was considered to be the earliest sub-Saharan producer of life-sized Terracotta. Nok culture terracottas are heralded as the prime evidence of the refinement of African civilizations, and it is suggested that the society eventually evolved into the later Yoruba kingdom of Ife. Hacia 300 aC a 200 dC Dimensiones 8 ″ (20,3 cm) de alto Medio Terracota Origen Nigeria La civilización Nok apareció en Nigeria alrededor del año 500 a. C. y desapareció misteriosamente alrededor del año 200 d. C. El sistema social de la civilización era extremadamente avanzado y representaba el final de la era neolítica (Edad de Piedra) y el comienzo de la Edad de Hierro en África. La civilización Nok fue considerada como la primera productora subsahariana de terracota de tamaño natural. Las terracotas de la cultura Nok se anuncian como la evidencia principal del refinamiento de las civilizaciones africanas, y se sugiere que la sociedad finalmente evolucionó hacia el posterior reino yoruba de Ife. El refinamiento de esta civilización es atestiguado por la imagen de un dignatario de Nok en el Museo Metropolitano de Nueva York. El dignatario es retratado con un "ladrón de pastores" fijado con un material elástico en el brazo derecho. [1] El dignatario también es retratado sentado con las fosas nasales ensanchadas, y una boca abierta que sugiere la inspiración profunda y la exhalación asociadas con la meditación. Un elaborado peinado adornado con joyas es indicativo de una civilización estable y próspera de larga data. Según algunos informes, según las similitudes artísticas entre las primeras formas de arte yoruba y las formas Nok, puede haber conexiones entre la cultura Nok y los pueblos contemporáneos yoruba. Más tarde, las esculturas de latón y terracota de las culturas Ife y Benin muestran similitudes significativas con las encontradas en Nok. Puede haber conexiones entre la cultura Nok y los pueblos contemporáneos yoruba. Más tarde, las esculturas de latón y terracota de las culturas Ife y Benin muestran similitudes significativas con las encontradas en Nok. Puede haber conexiones entre la cultura Nok y los pueblos contemporáneos yoruba. Más tarde, las esculturas de latón y terracota de las culturas Ife y Benin muestran similitudes significativas con las encontradas en Nok.

A Senufo Woman with Three Heads

A Senufo Woman with Three Heads Towards 20th century AD Dimensions 29.5 "(74.9 cm) high x 4.5" (11.4 cm) wide Medium wood Ivory Coast Origin The carving bears the mark of the Senufo, from the elongated torso to the crescent headdresses. The decorative scarifications found on the body and face are also typical of the Senufo, including the marks around the navel, the arches on the back of her shoulders, the curving lines under her eyes, and the slashes at the sides of her mouth. What is the significance of the three heads? This fact alone must identify the figure as a spirit of sorts. She appears a bit frightening. Her protruding mouth is open, bearing her teeth. Her globular eyes also have a sinister, almost hypnotic, gaze beneath the folds of her eyelids and the arches of her brows. Her long, sinuous arms hold two bracelets while her hands rest on her knees. She is seated upon a small stool, decorated by a carved band with a zigzag pattern. While the identity and powers of this spirit are a mystery, she is definitely someone you do not want to anger. Senufo mujer con tres cabezas Hacia Siglo 20 DC Dimensiones 29,5 "(74,9 cm) de alto x 4,5" (11,4 cm) de ancho Medio Madera Origen Costa de Marfil Esta escultura inusual debe representar un espíritu natural. Quizás un adivino también conjuró su poder mágico. Claramente, una gran fuerza irradia desde adentro. La talla lleva la marca del Senufo, desde el torso alargado hasta los tocados de media luna. Las escarificaciones decorativas que se encuentran en el cuerpo y la cara también son típicas del Senufo, incluidas las marcas alrededor del ombligo, los arcos en la parte posterior de los hombros, las líneas curvas debajo de los ojos y las barras a los lados de la boca. ¿Cuál es el significado de las tres cabezas? Este hecho por sí solo debe identificar la figura como un tipo de espíritu. Ella parece un poco aterradora. Su boca sobresaliente está abierta, con los dientes. Sus ojos globulares también tienen una mirada siniestra, casi hipnótica, debajo de los pliegues de sus párpados y los arcos de sus cejas. Su largo brazos sinuosos sostienen dos pulseras mientras sus manos descansan sobre sus rodillas. Está sentada en un taburete pequeño, decorado con una banda tallada con un patrón en zigzag. Si bien la identidad y los poderes de este espíritu son un misterio, ella definitivamente es alguien a quien no quieres enojar. - (PF.5725)

Cronología de pablo Picasso

Esta cronología presenta los datos biográficos de Pablo Picasso, ilustrada con las obras principales que se pueden visitar en el museo. 1881, 25 de octubre Nace en Málaga, hijo primogénito de María Picasso López y José Ruiz Blasco, pintor, profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Telmo y conservador del Museo Municipal. 1891-1895 La familia Ruiz Picasso reside en La Coruña, donde el padre ha ganado una plaza como profesor de la Escuela de Bellas Artes da Guarda, donde Picasso inicia sus estudios artísticos en 1892. 1895 Primera visita de Picasso al Museo del Prado de Madrid. Los Ruiz-Picasso, después de pasar el verano en Málaga, fijan su residencia en Barcelona. Examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de la Llotja, donde cursa sus estudios durante dos años. Obra principal que se puede visitar en el museo: Hombre con boina 1896 Obra principal que se puede visitar en el museo: Autorretrato, Retrato de la madre del artista, Retrato del padre del artista, Retrato de la tía Pepa, Paisaje montañoso. 1897 Presenta Ciencia y Caridad en la Exposición General de Bellas Artes de Madrid. Inicia estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid por voluntad familiar, pero pronto abandonará la Academia. Visitas frecuentes al Museo del Prado. Obra principal que se puede visitar en el museo: Ciencia y Caridad 1898 Cae enfermo de escarlatina. Regreso a Barcelona y traslado a Horta d’Ebre (hoy Horta de Sant Joan, en Terra Alta, Tarragona), invitado por su amigo Manuel Pallarès. «Todo lo que sé lo he aprendido en el pueblo de Pallarés», diría Picasso años más tarde. Obra principal que se puede visitar en el museo: El mas del Quiquet 1899 Regresó a Barcelona. Frecuenta la cervecería Els Quatre Gats, lugar de reunión del arte de vanguardia. Comparte tertulias con Carles Casagemas, Jaume Sabartés, los hermanos Reventós, los hermanos Soto, los hermanos Cardona y Joan Vidal Ventosa. Obra principal que se puede visitar en el museo: El diván 1900 Primera exposición individual en Els Quatre Gats. En septiembre, primer viaje a París, con Carles Casagemas, con motivo de la Exposición Universal de París, donde se exhibía una obra de Picasso, Últimos momentos, actualmente desaparecida. Conoce a Pere Mañach, su primer marchante, y tiene el primer contacto con la galerista Berthe Weil. Regresa a Barcelona a finales de diciembre y celebra el Fin de Año en Málaga, en compañía de Casagemas. Obra principal que se puede visitar en el museo: “Poeta decadente”, Retrato del escritor Ramon Reventós, La calle de la Riera de Sant Joan, desde la ventana del estudio del artista, El abrazo, Barraca de feria 1901 Traslado a Madrid. Suicidio de Casagemas en París. Funda con Francesc d’Assís Soler la revista Arte Joven, de la que se editan 5 números. Vuelve a Barcelona. Del 1 al 16 de junio, exposición conjunta de Casas y Picasso en la Sala Parés de Barcelona. Segundo viaje a París. Del 25 de junio al 14 de julio, primera exposición en París, en la galería Vollard, donde expone conjuntamente con el pintor vasco Francisco Iturrino. Allí conoce al poeta Max Jacob. Inicio de la época azul. Obra principal que se puede visitar en el museo: El final del número, La espera (Margot), Bodegón, La mujer de la cofia 1902 Regresó a Barcelona y tercer viaje a París, donde vive y trabaja, con estrecheces, en la habitación de Max Jacob. 1903 Regresó a Barcelona. Inicia los estudios para La vida, obra maestra de la época azul, actualmente en el Cleveland Museum of Art. Obra principal que se puede visitar en el museo: Desemparado, Azoteas de Barcelona 1904 Cuarto y definitivo viaje a París. Se instala en Montmartre en el edificio conocido como Bateau-Lavoir, de la calle de Ravignan, 13. Allí conoce a Fernande Olivier, que será su compañera hasta 1912. También conoce a los poetas Guillaume Apollinaire y André Salmon. Frecuenta el circo Medrano. Obra principal que se puede visitar en el museo: El loco, La comida frugal 1905 Inicio de la época rosa. En verano pasa tres semanas en casa del escritor Tom Schilperoort en Schoorl (Holanda). Conoce a los hermanos Leo y Gertrude Stein. Obra principal que se puede visitar en el museo: Retrato de la señora Canals 1906 Los Stein le presentan a Henri Matisse. Estancia en Gósol (Berguedà, Lleida). Regreso a París. Obra principal que se puede visitar en el museo: Cabeza de mujer (Fernande) 1907 Realiza Les Demoiselles d’Avignon, punto de partida del cubismo. Conoce a Daniel-Henri Kahnweiler, que será su marchante principal. Conoce a Georges Braque. 1908-1914 Braque y Picasso desarrollan el cubismo. Obra principal que se puede visitar en el museo: La Ofrenda 1909 Traslado a Barcelona con Fernande. Estancia en verano en Horta de Sant Joan. Regreso a París y cambio de domicilio: deja Bateau-Lavoir y se instala en el Boulevard Clichy, 11. 1910 Picasso y Fernande pasan unos día del verano en Barcelona y luego en Cadaqués. 1911 Picasso va en verano a Céret, donde se reencuentra con Frank Burty Haviland y Manolo Hugué. Braque también se instala en Céret. En otoño conoce a Eva Gouel (Marcelle Humbert), que se convertirá en su compañera. 1912 Hace los primeros collages. Expone en las Galerías Dalmau de Barcelona. Tras separarse de Fernande, inicia su vida en común con Eva. Nueva residencia en el Boulevard Raspail, 242. 1913 Muerte de su padre. Breve estancia en Barcelona para asistir al entierro. 1914 En verano se instala en Avión. Braque y Derain son movilizados para la guerra, lo que representa el fin del cubismo como movimiento. En octubre regresa a París, con Eva. 1915 Muere Eva Gouel. 1916 Jean Cocteau le presenta a Serge de Diaghilev, director de los Ballets Rusos, que le propone trabajar el ballet Parade. 1917 Viaje a Italia con Cocteau para trabajar con los Ballets Rusos. Conoce a la bailarina Olga Khokhlova. Estreno de Parade en París, con telón, decorados y vestuario de Picasso. Estancia en Barcelona de junio a noviembre. Arlequín Obra principal que se puede visitar en el museo: Blanquita Suárez, El paseo de Colón, Caballo corneado 1918 Matrimonio con Olga Khokhlova en París. Se trasladan a la calle La Boétie, 23. Exposición «Matisse-Picasso» en la galería Paul Guillaume de París, organizada por el marchante Rosenberg. 1919 Viaje a Londres para preparar El sombrero de tres picos, la nueva producción de los Ballets Rusos. 1920 Estreno en París de Pulcinella, tercera colaboración con la compañía de Diaghilev. Joan Miró visita por primera vez el taller de Picasso y surge una buena amistad. 1921 Nacimiento de su hijo Paulo. 1923 Conoce al poeta y crítico André Breton, abanderado del movimiento surrealista. Pasa el verano en Cap d’Antibes. 1924 Estrenó en París del ballet Mercure con decorados y vestuario de Picasso. Obra principal que se puede visitar en el museo: Copa y paquete de tabaco 1925-1938 No participa directamente en el surrealismo, pero la amistad con escritores del momento le involucra, a menudo, con las manifestaciones del grupo. 1927 Conoce a Marie-Thérèse Walter, con la que mantiene una relación hasta 1936, y con la que tendrá una hija, Maya. 1928 Empieza su colaboración con Julio González, que le inicia en la escultura de metal. Salvador Dalí visita a Picasso en su primer viaje a París. 1931 Se instala en el castillo de Boisgeloup, en Normandía, que había comprado un año antes, y donde instala su taller de escultura. 1932 Christian Zervos publica el primer volumen de su catálogo monumental de la obra de Picasso (32 volúmenes). Los Museos de Arte de Barcelona adquieren la colección de Lluís Plandiura, con obras de Picasso. 1934 Vacaciones de verano en España: San Sebastián, Madrid, Toledo y Barcelona. 1935 Ruptura con Olga. Nacimiento de Maya, hija de Marie-Thérèse Walter y Picasso. Sabartés se convierte en su secretario particular. Inicio de la amistad con Paul Éluard. La Minotauromaquia 1936 Al estallar la guerra civil en España, se alinea con el bando republicano. Se traslada a Mougins, donde le visitan los Éluard, los Zervos, Roland Penrose, Lee Miller, Man Ray y Dora Maar, fotógrafa vinculada al movimiento surrealista, que se convertirá en su compañera. Nombramiento como director honorífico del Museo del Prado de Madrid. 1937 Instala su taller en el 7 de la Rue des Grands Augustins de París. El 26 de abril, la aviación alemana bombardea la población de Gernika (País Vasco). De mayo a junio trabaja en la pintura del Guernica, para que sea presentada en el Pabellón de la República española en la Exposición Internacional de París. Viaja a Suiza y visita a Paul Klee. 1939 Muerte de su madre, María Picasso López, en Barcelona. Se instala en Royan con Dora Maar y Sabartés. Decide no regresar a España hasta que termine el régimen franquista.Retrato de Jaume Sabartés con gorguera y sombrero 1941 Escribe la primera obra de teatro, El deseo atrapado por la cola. 1943 Conoce a Françoise Gilot, joven pintora que será su compañera durante diez años y con la que tendrá dos hijos, Claude y Paloma. 1944 L’Humanité anuncia su afiliación al Partido Comunista francés. 1945 Inicia la colaboración con Fernand Mourlot, en cuyo taller explora las posibilidades creativas de la litografía. 1946 Exposición en el MoMA de Nueva York, «Picasso. Fifty Years of his Art». Picasso trabaja en el Palacio Grimaldi, que años después será el Museo Picasso de Antibes. 1947 Nacimiento de Claude, hijo de Françoise Gilot y Picasso. Se trasladan a Vallauris (Provenza), donde inicia su actividad como ceramista. 1948 Participa en Wroclaw (Polonia) en el Congreso de Intelectuales por la Paz y pronuncia un discurso a favor de la libertad de Pablo Neruda. 1949 Nacimiento de Paloma, hija de Françoise Gilot y Picasso. 1953 Separación de Picasso y Françoise. Conoce a Jacqueline Roque, que será su pareja hasta la muerte de Picasso. 1955 Muerte de Olga Khokhlova. Adquiere la villa La Californieen Cannes, donde se instala con Jacqueline. 1957 Pinta Las Meninas, que donará al Museu Picasso de Barcelona en 1968. Obra principal que se puede visitar en el museo: Fuente española, Salto con la garrocha 1958 Jaume Sabartés, amigo y secretario personal de Picasso, propone al Ayuntamiento de Barcelona, por voluntad del propio Picasso, la creación de un museo dedicado a su obra. El 27 de julio, por acuerdo del Ayuntamiento, se constituye el Museu Picasso de Barcelona. 1960 Jaume Sabartés, amic i secretari personal de Picasso, proposa a l’Ajuntament de Barcelona, per voluntat del mateix Picasso, la creació d’un museu dedicat a la seva obra. El 27 de juliol, per acord de l’Ajuntament, es constitueix el Museu Picasso de Barcelona. 1961 Matrimonio con Jacqueline Roque en Vallauris. Se instalan en Notre-Dame-de-Vie en Mougins. 1962 Intensa actividad como grabador desde entonces y durante diez años. 1963, 9 de marzo Abre las puertas al público el Museu Picasso de Barcelona, con el nombre de Colección Sabartés, dado que la oposición manifiesta de Picasso al régimen de Franco impide abrir el museo con su nombre. Lo integran la colección personal de Sabartés y la colección de obras de Picasso de los Museos de Arte de Barcelona. 1965 Obra principal que se puede visitar en el museo: Pintor trabajando 1968 Muerte de Sabartés. Picasso le rinde homenaje donando al Museu Picasso de Barcelona el Retrato azul de Sabartés y la serie de Las Meninas. 1969 Obra principal que se puede visitar en el museo: Hombre sentado 1970 Gran donación del propio Picasso al Museu Picasso de Barcelona de las más de 900 obras que se conservaban en el domicilio de su familia en Barcelona. 1971 Instalación de 8 pinturas de Picasso en la Grande Galerie del Louvre, primera vez que se cuelgan en el Louvre las obras de un artista vivo [según hace notar el nieto de Picasso, Olivier Widmaier en Portraits de famille. París, Éditions Ramsay, 2002, pág. 123]. 1973, 8 de abril Muerte de Pablo Ruiz Picasso en Notre-Dame-de-Vie, en Mougins. El 10 de abril es enterrado en el jardín de su castillo de Vauvenargues.

Romería

RODRÍGUEZ DE GUZMÁN, Manuel (Sevilla, 1818 – Madrid, 1867) Óleo sobre lienzo. Se adjunta certificado de autenticidad, emitido por Enrique Valdivieso, catedrático de Historia del Arte en la Universidad de Sevilla. Medidas: 101 x 141 cm; 116 x 156 cm (marco). En su certificado, Enrique Valdivieso indica que se trata de una obra claramente perteneciente a la escuela sevillana de mediados del siglo XIX, y que en ella es posible reconocer con claridad la característica configuración expresiva de los tipos físicos propios del estilo de Manuel Rodríguez de Guzmán, del cual es obra auténtica. Por sus características técnicas, Valdivieso fecha esta obra hacia 1850, poco antes del traslado del pintor a Madrid en 1852. Destacado pintor especializado en escenas costumbristas y folklóricas andaluzas, Rodríguez de Guzmán inició su formación en la Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. Allí fue discípulo de José Domínguez Bécquer, quien le inició en la pintura costumbrista, y bajo cuya dirección desarrolló el pintor su primera etapa. Progresivamente fue acometiendo pinturas de mayor empeño compositivo, ambientadas en escenarios más amplios que los de sus primeras obras. Atraído por el interés de Isabel II por sus pinturas, en 1854 se establece en Madrid con intención de trabajar como pintor de corte. Este interés cristalizó en una propuesta que Rodríguez de Guzmán elevó a la reina, consistente en la realización de una amplia serie pictórica que recogiese las distintas fiestas, ferias y romerías que se celebraban en España, comprometiéndose en realizar un cuadro de este tipo al año. Aunque finalmente no pudo completar el proyecto, el pintor llevó a cabo varias obras que pasaron a formar parte de la colección real, como su obra maestra, “La feria de Santiponce”. Amigo de Antonio María Esquivel, participó asiduamente en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, obteniendo en 1858 una mención honorífica por su obra “Rinconete y Cortadillo”, inspirada en las “Novelas Ejemplares” de Cervantes. La actividad de Rodríguez de Guzmán en Madrid gozó de especial predilección oficial, puesto que el Estado le adquirió en 1864 dos obras, hoy en paradero desconocido, tituladas “Las habaneras” y “Gitana diciendo la buenaventura a unos gallegos”. Trabajó asimismo los temas taurinos, de historia e incluso el retrato, revelando en estos últimos una factura marcada por un desenfado técnico de evocación goyesca, quizás derivado de profunda amistad con el pintor Eugenio Lucas. Su pintura se caracterizó por un colorido brillante, así como por su gran facilidad para captar con naturalismo e instantaneidad los tipos populares, organizados en escenas repletas de figuras descritas minuciosamente. Su arte destaca asimismo por la maestría compositiva, así como por el empleo de una pincelada ágil y deshecha, que otorga una gran vitalidad a sus escenas.

Retrato de dama

Escuela española de medianos del siglo XIX. Óleo sobre lienzo. Con firma integrada “R. Madrazo”. Medidas: 73 x 60 cm. En el presente lienzo se muestra el retrato de una bella dama aristócrata, de delicada elegancia, modelado suave y fondos abocetados. La dama se nos presenta ataviada con ricos ropajes propios de su condición, con un delicado chal que cubre sus hombros y antebrazos, dejando entrever sus vestiduras inferiores. La joven queda tocada por un sombrero adornado con voluptuosas flores. El artista emplea una paleta reducida basada en la combinación de tonos pasteles y terrosos, destacando especialmente el atuendo de la dama, así como su melancólico rostro. A pesar de que la representada se encuentra en un interior, el artista abre la composición al exterior a través de un ventanal de cuyo fondo emana un intenso halo de luz. La composición continúa las doctrinas artísticas instauradas por el artista noucentista Raimundo de Madrazo (Roma, 1841 – Versalles, 1920), quien fue hijo de Federico de Madrazo y cuñado de Mariano Fortuny. Como retratista de Madrazo fue uno de los mejores de su generación, digno sucesor de su padre y autor de un estilo de un realismo minucioso y elegante, a veces frívolo pero resuelto con un irresistible instinto decorativo, clave de su éxito entre la burguesía de su tiempo, siempre con un absoluto dominio de los recursos pictóricos y una delicadeza cromática enormemente refinada. Raimundo de Madrazo cultivó también el género de costumbres tan del gusto de la época, una pintura de reinadas calidades decorativas, próxima algunas veces a su cuñado Mariano Fortuny, con quien pintó en 1868 y 1872, este último año en Granada.

Pareja de leones. Gótico s. XIV.

Pareja de leones. Gótico s. XIV. Bronce. Restos de dorado. Medidas: 10 x 14 x 4,7 cm. Pareja de estatuillas en bronce, de época tardo-Gótica. Estilísticamente, la voluntad naturalista incipiente es contrarrestada por cierto sintetismo que aboga por privilegiar una elegancia arcana, casi mítica. Sus melenas han sido descritas al detalle, individualmente cada uno de los mechones, reforzando la esbeltez del cuello. La expresividad se concentra en la cabeza, con fauces entreabiertas y ojos de perfil almendrado. La actitud reposada y la elegancia arcana transmiten el misterio de las esfinges.

Bañista

Escuela catalana de los años 30. Escultura en piedra cantera. Medidas: 110 x 75 x 6 cm. Esta obra se enmarca dentro del contexto del Noucentisme, movimiento ideológico-estético que surge en Cataluña a principios del siglo XX como reacción frente al modernismo, el romanticismo y, en general y por extensión, frente a todo el arte y el espíritu “Fin de siglo”. El Noucentisme se opone genéricamente a la mentalidad y al espíritu ochocentistas con una voluntad de rigor y un clasicismo que busca en el pasado clasicista sus modelos ideales a imitar. Así, sus valores esenciales serán el orden, la claridad y la mesura. Contrario al naturalismo, al psicologismo y al sentimentalismo propios del siglo XIX, busca la creación lúcida de un espíritu mediterráneo, en contraposición al decadentismo finisecular. Encarnado por el personaje de Teresa, de “La ben plantada” de Eugenio d’Ors, con su sentido del orden, de la serenidad y del clasicismo simboliza no sólo a Cataluña, sino todo el espíritu del Mediterráneo. Frente a las nieblas y negruras del irracionalismo nórdico del modernismo y el romanticismo, el Noucentisme reivindica el “seny” (sentido), la razón la claridad y la luz del mar Mediterráneo. Algunos autores interpretan esta mitología mediterránea dulce, tierna, suave, tranquila, ordenada y ordenadora como una reacción de los pueblos meridionales frente a la agresividad nórdica y el nacionalismo de los septentrionales. Para el Noucentisme, el arte no debe nunca convertirse en “imitatio”, porque eso equivaldría a subvertir la jerarquía y primado del espíritu. De ahí que, como manifestación artística, fuera un espíritu fundamentalmente escultórico, un “arte de la forma”; será en la escultura, o mejor dicho en la estatuaria, donde se logre la concreción de la teoría del clasicismo y el mediterraneísmo noucentistas. Además, el Noucentisme reivindicó el siguiente lema: “Las ideas que no se pueden esculpir no son más que vulgares nociones”. Una de las características primordiales de la escultura noucentista es el predominio de la Forma, como elemento esencial de la belleza plástica, aquello que encierra la esencia de los objetos. En la escultura catalana noucentista destacarán principalmente las figuras de Arístides Maillol, Josep Clarà, Enric Casanovas y Esteve Monegal, artistas que desarrollarán su obra dentro de los cánones dorsianos. Esta escultura, que representa a una bañista desnuda, sentada sobre una roca y con la vista concentrada en las alturas, meditativa, se relaciona directamente con la obra de estos autores. Podemos encontrar representaciones muy cercanas en forma y temática en obras como “La Diosa”, de Josep Clarà, “El Mediterráneo” de Maillol o el “Desnudo femenino” del MNAC de Casanovas, por poner sólo algunos ejemplos. Todas estas esculturas representan a la misma figura femenina robusta, reposada y perfecta que aquí vemos, personificación del programa estético de la escultura catalana noucentista.

Campos

GODOFREDO ORTEGA MUÑOZ (San Vicente de Alcántara, Badajoz, 1899 – Madrid, 1982) Óleo sobre lienzo. Firmado en la zona inferior derecha. 38 x 46 cm; 56 x 63 cm (marco). Esta obra se incluirá en el futuro catálogo de la obra de Ortega Muñoz. Ortega Muñoz fue uno de los grandes creadores del contemporáneo paisaje español. Se inició en el arte siendo aún niño, de manera autodidacta, y pese al consejo paterno en 1919, con veinte años, decide trasladarse a Madrid para dedicarse a la pintura. Allí se dedicará desde el primer momento a realizar copias de los grandes maestros en el Museo del Prado y en el antiguo Museo de Arte Moderno. Continuará así con su formación autodidacta y comenzará a pintar al aire libre en el entorno de la Dehesa de la Villa, acompañado de otros jóvenes artistas como el filipino Fernando Amorsolo. Un año más tarde decide trasladarse a París, y allí conocerá al que será su gran amigo de por vida, el poeta Gil Bel. En París conoció además la obra de Van Gogh, Gaugin y Cézanne, pero a la vez vivió la crisis formal e ideológica que se desarrollaba en esta época de entreguerras, lo que le llevaría a dejar Francia para viajar al sur, a Italia, donde hallar en los maestros del pasado unos valores más auténticos de espiritualidad, sencillez y pureza. Ortega Muñoz recorrerá Italia de Norte a Sur entre 1921 y 1922, y en el Lago Maggiore conoce al pintor inglés Edgard Rowley Smart, con quien pasará un corto periodo de aprendizaje. Con él Ortega Muñoz llega a la conclusión que, frente a la aparente sinrazón del arte contemporáneo, hay que volver a la naturaleza y devolver al are la autenticidad de las verdades espirituales y de las emociones sencillas. En 1926 regresa a España, donde protagonizará una de las excursiones fundacionales de la Escuela de Vallecas. Poco después, en 1927, celebra su primera exposición en el Círculo Mercantil de Zaragoza. Entonces deja España de nuevo, y esta vez recorre Centroeuropa, pasando por Zurich, Bruselas y varias ciudades alemanas. En 1928, en Worpswede entra en contacto con una colonia de artistas de lenguaje expresionista, interesados en los paisajes y la vida campesina, como reacción frente a los sofisticados artificios y refinamientos de las vanguardias. Notablemente influido por su experiencia en Worpswede, Ortega Muñoz vuelve a Francia en 1928, y entre 1930 y 1933 sigue viajando entre Centroeuropa y el Norte de Italia; finalmente llega a El Cairo en 1933, una fecha en la que sus capacidades como retratista le han proporcionado un modo de vida desahogado e importantes contactos. Expone en Alejandría con un enorme éxito, que le llevará a repetir la experiencia un año después, presentando una muestra casi antológica en la que se aprecia ya su amor por la naturaleza, el equilibrio entre el color y el estado de ánimo, y esa atmósfera de quietud y tristeza características de su lenguaje. En 1935 regresa a Epaña y al año siguiente se presenta con una exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. No obstante la guerra civil le lleva a salir de España; tras la contienda regresa a su localidad natal, y se reencuentra por fin con la silenciosa y solitaria extensión de su paisaje y con la cercana realidad de ese mundo que siente como auténticamente propio. Durante la posguerra arranca de nuevo una carrera profesional que le deparará numerosos triunfos, tanto en España como en el extranjero. Celebrará desde entonces importantes exposiciones individuales, como las que tuvieron lugar en los años cincuenta en el Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Madrid, en las Galerías Syra de Barcelona o en el Museo de Bellas Artes del Parque de Bilbao. También participará en la II Bienal Hispanoamericana de La Habana (1953), donde recibe el Gran Premio de pintura, en la Internacional de Venecia (1954) y en la Hispanoamericana de Barcelona (1955), donde se le dedica una sala de honor. Lo mismo ocurrirá más tarde en la Bienal de Venecia de 1957. Este incremento de su actividad expositiva, así como el crecimiento de su fama a nivel internacional, llevarán a una década de los sesenta con importantes exposiciones como la colectiva celebrada en el Guggenheim de Nueva York en 1961. Asimismo, en 1968 se le dedicó una sala monográfica de honor en la última Exposición Nacional de Bellas Artes. Actualmente Ortega Muñoz está representado en la Fundación que lleva su nombre en Badajoz, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el de Bellas Artes de Bilbao y otras colecciones, tanto públicas como privadas.

After Nature

JAN HENDRIX (Maasbree, Holanda, 1949). 2004. Esmalte cerámico sobre metal, ejemplar 1/2. Adjunta certificado de autenticidad. Medidas: 90 x 120 cm. Nacido en el seno de una familia agrícola que se opuso rotundamente a la elección de su hijo de ser artista, será a los 17 años cuando, tras ser expulsado de su propia casa, comience sus estudios artísticos en la Real Academia de Arte de Den Bosch (pueblo natal de El Bosco). A pesar de ser expulsado de la misma debido a su conducta incívica, este será el comienzo de Hendrix dentro del mundo artístico. Así –invitado por el artista japonés Shinkichi Tajiri– ingresará como alumno de Atelier 63 en la ciudad de Harlem, una de las más radicales instituciones en esos momentos. Continuará sus estudios en la Jan van Eyck Academie, institución en la que se enfocará principalmente en la realización de obra gráfica. Entre los años 1971 y 1975 mantendrá contacto con un grupo de artistas instalados en la ciudad alemana de Dusseldorf, quienes influirán notablemente en Hendrix, ya por aquel entonces artista multidisciplinar, pero que, sin embargo, decidirá enfocar su producción ya por completo en la producción gráfica. De esta manera, formará un estudio serigráfico en el norte de Norugega. Gracias a la obtención de una beca por parte del Minsterio de Cultura de Holanda, Hendrix viajará a México, país que verá nacer a su primer hijo y, de nuevo, un taller de obra gráfica, espacio que será lugar de reunión para importantes artistas del momento, como Luis Lopez Loza, Emilio Ortiz, Fiona Alexander, Francisco Toledo, Gunther Gerzso, siendo estos últimos especialmente influyentes en su producción. Ya afincado completamente en México, comienza a investigar sobre la composición fractal, siendo un fractal un objeto geométrico cuya estructura básica, fragmentada o aparentemente irregular, se repite a diferentes escalas. De esta manera, Hendrix profundiza sobre el sentido de la escala y la búsqueda de soportes de papel que le proporcione un espacio con una atmósfera y un carácter propio. Sus viajes por Kenia le llevan a experimentar con la eliminación del color y el alto uso del contraste. En 1992 inicia el proyecto “Bitácora”, con el que viaja a China, Australia, Indonesia, Irán, Turquía, Alemania, Irlanda y México, el cual le abrirá las puertas a formar parte del Sistema nacional de Creadores del Fonca, puente que le permitirá el intercambio con jóvenes artistas. A lo largo de su carrera como artista, Hendrix ha expuesto en numerosas galerías, como la Galería Clement de Amsterdam y Holanda, así como con la Galería Ponce, la Galería Arte Contemporáneo y con la Galería Arte Mexicano (las tres localizadas en México). Destaca su participación con la Galería La Caja Negra en Madrid. Asimismo, ha participado en diferentes museos, como Bonnefanten Museum (Maastricht), el Museo de Arte Moderno (México, D.F.), los Archivos Imperiales de la Ciudad Prohibida (Pekín), el Tropenmuseum (Amsterdam), el Museo de Arte Contemporáneo (Oaxaca), la Calcografía Nacional de la Real Academia de San Fernando (Madrid) y el Irish Museum of Modern Art (Dublín). En 2012, el artista recibió la Orden Mexicana del Águila Azteca en grado de insignia, el más grande galardón otorgado en México a los extranjeros por su trabajo en arte y arquitectura. Es el tercer holandés en recibir este premio. Actualmente es posible encontrar la obra de Hendrix en numerosas colecciones públicas y privadas.

Composición

A-Sun Wu, (Taiwan, 1942). 2002. Mixta sobre papel Guarro. Firmado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 76 x 56 cm. Uno de los más destacados artistas plásticos de la República de China (Taiwán) , A Sun-Wu, viajó por el mundo por un tiempo, alejándose de los caminos tradicionales y obligados del mundo del arte. El artista trata de expresar elementos primordiales que ha descubierto a través del mundo. Desde los años 70, A Sun-Wu ha viajado por París, Nueva York, España, África, Amazonia, Indonesia o las islas del Pacífico Sur. Sus obras a menudo expresan un gesto violento y una materialidad grosera que se exterioriza en sus pinturas. Durante los años 80, su trabajo se convierte en primitivo con creaciones que expresan el amor por la naturaleza, mediante la representación de piedras, árboles, cortezas, lianas. De este modo, podemos distinguir en sus obras de arte, un original y feliz matrimonio entre Asia y Europa, América, África y Oceanía. Wu ha sido invitado a realizar exposiciones por artistas de renombre mundial. Ha realizado exposiciones individuales en la Friedman y Vallois Gallery, Nueva York; Momentum Art Gallery, Knokke, Bélgica; en la Baudoin Art Gallery de París, Francia; la Feria del Mundo del Arte, en Bolonia, Italia; Huantie Galería de Arte Internacional, Beijing, China y Hakone Open-Air Museum, Japón. También recibió el galardón “Caballero Francés de las Artes y la Cultura”.