MUJERES ORANDO EN CAPILLA

ÓLEO SOBRE LIENZO. "MUJERES ORANDO EN CAPILLA". FIRMA EN ÁNGULO INFERIOR DERECHO. MEDIDAS: 131X89CM. Pintura del siglo XX Precio 1.200€

OCHO FIGURAS DE JINETES TALLADAS EN MARFIL

Descripción Con su larga historia, el arte de la talla en China ha sobrevivido a través de los años. El tallado y escultura varía mucho de su equivalente occidental. Objetos, como figuras, animales, plantas o paisajes, son los motivos finamente tallados por los artistas. Los artistas chinos demuestran su talento y creatividad utilizando muchas materias primas, como piedra, colmillos, cuernos, raíces, bambú o papel. Las esculturas se realizaban en bambú la mayoría de las veces, pero los artistas fueron adoptando otros materiales. Muchas de estas obras se han convertido en tesoros nacionales. Esculturas de colmillos y cuernos: En general, se emplean colmillos o cuernos de animales como base para tallar esculturas; más concretamente, los materiales empleados suelen ser marfil y cuerno de rinoceronte. El marfil es un material hermoso por naturaleza, blanco y suave, poseedor de exquisitez y encanto artístico; los cuernos de rinoceronte son famosos por su rareza y gran valor. El tallado de marfil es una de las artes más antiguas de China. Muestras magistrales de este tipo de escultura se han hallado en tumbas que datan de la Dinastía Shang (siglos XVIII-XII AC); estas piezas tienen un diseño y ejecución tan buenos que sugieren un desarrollo previo que podría retrotraerse a épocas prehistóricas. Durante las Dinastías Shang y Zhou, la talla de colmillos fue haciéndose más próspera. En la época Tang (618-907 DC) y en la Dinastía Song (960-1279 DC) el tallado de colmillos y cuernos se hizo más sofisticado en términos técnicos y estéticos. En la Dinastía Ming (1368-1644), estas piezas se hicieron muy populares, a la vez que se simplificaba y suavizaba el estilo. En la Dinastía Qing (1644-1911), la industria artesanal comenzó a prosperar y la cultura occidental fue introduciéndose poco a poco en China. La conciencia estética y cultural de la gente fue elevándose y el gusto de la realeza imperial y los funcionarios de la Corte incrementaron la demanda de colmillos y cuernos tallados, disparando un desarrollo sin precedentes de la artesanía durante este periodo. Como resultado, aparecieron muchos artesanos de valía que producían un gran número de hermosas piezas en colmillos y cuernos. Sin embargo, debido a la escasez de materias primas, los cuernos de rinoceronte sólo disfrutaron de un breve periodo de popularidad durante los reinados de los Emperadores Yongzheng y Qianlong. CERTIFICADO DE ANTIGÜEDAD. MEDIDAS: 11 CM, LA MAYOR SIN BASE. Precio: 3.000€

BARCO CHINO CON DEIDADES DE LA MITOLOGÍA ORIENTAL

BARCO CHINO CON DEIDADES DE LA MITOLOGÍA ORIENTAL, LOS DIOSES INMORTALES.CON CITES. 23X29X8CM. Con su larga historia, el arte de la talla en China ha sobrevivido a través de los años. El tallado y escultura varía mucho de su equivalente occidental. Objetos, como figuras, animales, plantas o paisajes, son los motivos fi... ver más Precio estimado: 3.000€

JUANA DE ARCO EN EL CABALLO

TALLA EUROPEA DE MARFIL "JUANA DE ARCO EN EL CABALLO" SOBRE PEANA 32CM ALTURA (SIN PEANA 16X7'5CM) CON CERTIFICADO CITES Precio estimado: 6.500€

VIRGEN TRONO DE DIOS

ESCULTURA TALLADA EN MADERA POLICROMADA CON DETALLES EN MARFIL (ROSTRO, MANOS Y PIERNAS) "VIRGEN TRONO DE DIOS" 25X9CM Precio estimado: 5.500€

CRISTO DE MARFIL EN GRAN MARCO DORADO

CRISTO DE MARFIL EN GRAN MARCO DORADO, LA PIEZA DEL SIGLO XIX PRESENTA GRAN REALISMO Y EXPRESIVIDAD. CON CERTIFICADO DE ANTIGÜEDAD. MARCO: 98X78CM. CRISTO: 42X26CM. Precio estimado: 7.000€

CRISTO CRUCIFICADO DE CUATRO CLAVOS

MAGNÍFICA TALLA DE MARFIL (CON CERTIFICADO) QUE REPRESENTA A CRISTO CRUCIFICADO DE CUATRO CLAVOS, SIGUIENDO MODELOS BARROCOS DEL S.XVII. MEDIDAS DEL CRISTO: 31X16,5 CM. MEDIDAS DE LA CRUZ CON PLINTO: 69X27 CM. Precio estimado: 3.000€ DESCRIPCIÓN En 1627 el maestro Francisco de Zurbarán realiza su famoso Cristo en la cruz. Surgen varios elementos que dejan muy clara la presencia ya del barroco como el lienzo que le cubre la cintura. La novedad en este caso está en el uso de cuatro clavos en lugar de tres. 2 para las manos y 2 para los pies. Se creía en ese momento que los pies de Jesús no pudieron ser atravesados por un solo clavo. El tema de los 3 o 4 clavos llegó ser capital en esta época y los escritos de la época nos indican que en la ciudad de Sevilla las más importantes escuelas discutían acaloradamente en plena calle por este tema. La lucha que los jóvenes artistas seguían por saber quien tenía razón acabó en algún caso hasta en las manos. Los partidarios de los 3 clavos luchaban por una concepción clásica de la crucifixión mientras que los partidarios de los 4 clavos creían en el realismo. Velázquez, tomó partido por los 4 clavos y esto ocasionó que los partidarios de los 4 clavos obtuvieran una victoria moral al sumarse a ellos un genio de la pintura. Este pensamiento había surgido 2 siglos antes tras las revelaciones de Santa Brígida, nace así una corriente que busca la verdad sobre la pasión. Santa Brígida fue una santa de origen sueco que tuvo varias visiones, en ellas predecía hechos futuros tuvo apariciones de santos. En una de estas visiones pudo ver la muerte y torturas que sufrió Cristo. Con la llegada del barroco a la pintura se intenta captar la fuerza de la imagen y dotarla de expresividad. Es ahí donde Velázquez o Zurbarán intentan estudiar el cuerpo humano además de otros detalles para lograr un cuadro más pegado a la realidad. La pintura barroca en España se puso rápidamente al servicio a la temática religiosa desde la concepción católica. En este caso la Iglesia no veía con buenos ojos que el artista se recreara tan morbosamente en la crucifixión. Consideraba que la discusión entre los 3 o 4 clavos carecía de sentido. Con los decretos tridentinos fruto del espíritu de la Contrarreforma se intenta que los artistas representen los cuerpos de Jesús y de María perfectos. Se intenta acabar con la popularidad que estaba teniendo las pinturas que representan sangre o heridas.

Consejos y advertencias (Marfil)

Aunque la prueba de la luz ultravioleta es excelente para confirmar si algo es marfil, no te ayuda a identificar que tipo de marfil es. Solo el marfil de elefante africano que fue importado a los Estados Unidos antes de 1989 o como trofeo de caza deportiva es considerado legal. Solo el marfil africano antiguo (más de cien años) o marfil africano que fue adquirido antes de 1978 puede ser importado o exportado sin propósitos comerciales. El marfil de elefante asiático adquirido antes de 1976 puede ser vendido a otros dentro de tu estado pero si se venderá entre estados debe ser sometido a estrictas leyes reglamentarias de especies en peligro de extinción. La prueba del alfiler es considerada como un último recurso debido a que puede dañar piezas que no están hechas de marfil. Prueba con calor, la mayor evaluación según ambas galerías Dream y Pacific, utilizando pinzas para mantener una agujera o un clavo sobre una llama; luego apoya la punta caliente y roja sobre la parte menos visible del objeto. La aguja caliente casi no tendrá efecto sobre la superficie del auténtico marfil, salvo una pequeña marca; pero el contacto generará un fuerte olor como los tallados dentarios, ya que el marfil es el mismo material que el diente. Si la pieza es falsa, la aguja caliente creará un pequeño cráter fundido y liberará el inconfundible olor de plástico o resina quemada.

Cómo reconocer los distintos tipos de marfil

El marfil es un material que se utiliza para referirse a los dientes o colmillos de diversos animales. El marfil tradicional procede de elefantes o mamuts, pero los colmillos de morsa, los dientes de cachalote y otras fuentes también pueden ser considerados marfil. Es importante distinguir los diferentes tipos si vas a recogerlo, y para poder juzgar mejor aquello por lo que estás pagando. 1. Prueba el peso del marfil. El real es pesado, y una resina o yeso no son tan fuertes como el marfil legítimo. Si la pieza parece pesada, es probable que se trate de verdadero marfil. Una mayor investigación te ayudará a lograr una mayor especificidad. 2. Mira el número de capas en el marfil. El de bucerótido es una pieza única y sólida que es densa, dura y estrechamente texturizada. El marfil de morsa y de cachalote sólo tienen dos capas. La capa interior de la dentina es blanda y jaspeada y la externa es dura y densa. Estos dos tipos de marfil son difíciles de distinguir uno del otro, pero el marfil de cachalote tiene una capa interna más grande, y se lo usa para hacer objetos pequeños. Si el marfil tiene más de dos capas, entonces no es de morsa o cachalote. 3. Examina la sección transversal. El marfil de elefante y el de hipopótamo tienen varias capas, pero se diferencian en su sección transversal. El marfil de elefante se caracteriza por tener unas "Líneas de Retzius", que son líneas que se interceptan y crean patrones transversales en forma de diamante. El marfil de hipopótamo carece de esta característica, pero al margen de las líneas, es similar a muchos tipos de marfil de elefante.

Cómo determinar el valor de las tallas de marfil

Las tallas de marfil, realizadas desde hace miles de años a partir de colmillos de mamuts, elefantes, rinocerontes y otros animales, siguen cautivando a los coleccionistas incluso después de la reciente controversia sobre la importación de colmillos de elefantes africanos. Las tallas artísticas de marfil, desde estatuillas de Buda hasta placas elaboradas que muestran escenas de animales o de paisajes, se pueden vender por sumas elevadas si están autenticadas y los coleccionistas las buscan mucho. 1. Aprende la diferencia que existe entre las tallas genuinas de marfil y las esculturas de hueso que se venden como marfiles. La dentina, que se forma alrededor de la encía de los dientes, comprende la mayoría del colmillo del elefante o del hipopótamo. El marfil tiene una superficie brillante y una línea de dentina que lo cruza. Las tallas de hueso, que a veces se hacen pasar marfil o que se confunden con él, tienen puntos y rayas en toda la pieza y su superficie no es lustrosa. 2. Determina la condición legal del marfil. Se pueden traer a los Estados Unidos legalmente las tallas de marfil de mamut, pero se ha prohibido desde 1989 la importación de marfiles nuevos de elefantes africanos. Las tallas ilegales, que se ofrecen a la venta por Internet como hueso y no como marfil, generalmente provienen de China. 3. Verifica el origen de la talla de marfil. Los artistas siguen creando esculturas con los colmillos de los raros mamuts lanudos, que se han excavado en varios lugares de Siberia y Alaska. Para comprobar que tu talla fue realizada con el valioso colmillo de un mamut, busca una tintura azulada ocasionada por miles de años de exposición a los minerales del suelo. Otros tipos de marfil pueden costar menos, pero las tallas de colmillos de mamut siguen siendo piezas de colección debido a su rareza. 4. Encuentra patrones y grano en la talla de marfil. Usa una lupa para identificar líneas rectas y líneas cruzadas que corren juntas en los colmillos de marfil así como también ángulos Schreger en la dentina, con la forma de una letra "V". Estas líneas sumamente detalladas distinguen al verdadero marfil de las piezas falsas y de las réplicas. 5. Ponte en contacto con un tasador de marfil calificado. Debe seguir las pautas de las Normas uniformes de la práctica de tasación profesional y tener experiencia en determinar el valor de las esculturas de marfil. Algunas empresas se especializan en tasar estatuillas y tallas de marfil.

LA ENTREVISTA

- Katherine M.: ¿Qué cree usted que es el mayor desafío para los fondos de arte operativo o a partir de hoy? - Enrique L.: El mayor desafío que enfrentan los fondos de arte hoy en día es la dificultad en la obtención de capital de inversión. Los gestores de fondos de arte que se han acercado a las fuentes tradicionales de capital, tales como los bancos de inversión, rara vez han tenido éxito. Esto se debe a una serie de factores, incluyendo la naturaleza incipiente de la industria de fondos de arte, que es menos de una década, la falta de registros de rendimiento anteriores por los gestores de fondos de arte posibles en el funcionamiento de un fondo de inversión, y el desconocimiento general de la tradicional inversores al mercado del arte. En cuanto al alto valor neto personas familiarizadas con el coleccionismo de arte tampoco ha dado mucho éxito en la obtención de capital, como tal, los colectores existentes ya creen que pueden navegar con éxito a sí mismos el mercado del arte. Como resultado, los administradores de fondos de arte han tenido dificultades para obtener capital significativo para el lanzamiento. - Katherine M.: ¿Qué consejo le daría a los inversores cuando buscan invertir en el arte, ya sea en una subasta, en una galería, o por medio de un fondo? - Enrique L.: El éxito en el mercado del arte gira en torno a asegurarse de que se lleva a cabo la debida diligencia y de que las personas que trabajan para o asesorar usted tiene sus intereses adecuadamente alineados con los tuyos. Al invertir en un fondo de arte, uno debe buscar el asesoramiento de expertos en la materia que puedan evaluar adecuadamente la gobernanza, la transparencia y garantía de funcionamiento del fondo. Por otra parte, el gestor del fondo debe ser compensado de manera que se alinean sus intereses con los tuyos. Por ejemplo, el gestor de fondos debe ser pagado de manera tal que la parte del león de su compensación viene únicamente si el fondo tiene éxito en la generación de rentabilidad de las inversiones. Comisiones de gestión de altos anuales son señales de alerta de que el gestor del fondo puede estar ejecutando el fondo de tales honorarios y no con el fin de producir necesariamente un retorno significativo. En el mercado del arte en general, los inversores en bellas artes deben asegurarse de que utilizan asesores de arte con la formación profesional en la historia del arte y el arte comercial. Se ha dicho que es más difícil para convertirse en un conductor de taxi de lo que es llegar a ser un comerciante de arte. Sin ningún tipo de certificaciones requeridas o juntas de revisión de ningún tipo, es responsabilidad de los inversores para llevar a cabo la debida diligencia básica sobre los que tratan de adquirir obras de arte para ellos. Los inversores deben insistir en asesores de arte con fondos de educación artística significativa y experiencia. Asesores de arte con antecedentes de procedimientos legales que involucran fraude, lavado de dinero, y una conducta similar se debe evitar a toda costa. Cualquier asesores artísticos utilizados por los inversores deberían revelar completamente todas las indemnizaciones que se pagan a ellos y si es posible, la indemnización a pagar a los asesores de arte debe estar estructurado como un porcentaje de los beneficios futuros para asegurarse de que son incentivados a la fuente de calidad de inversión funciona a niveles que puedan precios generar retornos significativos. - Katherine M.:¿Se puede hablar de lo que impactará las nuevas regulaciones federales y reformas tendrán en los fondos de arte? ¿Se imagina que la supervisión adicional hará que los fondos de arte más atractivo para los inversores a largo plazo? - Enrique L.: El sector de los fondos de arte ha sido más afectados por la reciente liberación de la Securities and Exchange Comisión de Estados Unidos el 11 de julio de reglas finales, eliminando la larga restricciones generales sobre publicidad y solicitudes en general de ofertas de valores al público en general. Anteriormente, los administradores de fondos (incluidos los gestores de fondos de arte) sólo podían acercarse a las personas con la oportunidad de invertir en sus fondos que sabían que estaban acreditados inversores basados en una relación preexistente sustantiva con tales personas. Esto tuvo un efecto muy limitado sobre las fuentes de que los gestores de fondos de arte podrían aprovechar para el capital de inversión. Con las nuevas reglas de la SEC, los gestores de fondos de arte ahora pueden anunciar públicamente sus fondos de arte y hablar con el público en general acerca de sus fondos a través de entrevistas de prensa, publicaciones, o cualquier otro medio disponible; a condición de que sólo aceptan capital de inversión de los inversores acreditados (es decir, los individuos con más de US $ 1 millón en el patrimonio neto, excluyendo el valor de su casa, o que hacer que US $ 200.000 de forma individual o US $ 300.000 con su cónyuge en los dos años anteriores). En un futuro no muy lejano, estaremos viendo anuncios en ARTnews, Art + Auction, e incluso en Artnet, no sólo para los próximos shows o subastas, pero para las ofertas de fondos de arte. Aún más interesante es el hecho de que muchos gestores de fondos de arte extranjero que evitaron el acceso a los mercados de capitales de Estados Unidos por temor a las restricciones antes mencionadas están explorando activamente el lanzamiento de fondos subordinados de los Estados Unidos para ofrecer a los inversores estadounidenses con acceso a sus fondos artísticos. La Asociación Art Fund ha estado ocupada en el asesoramiento a estos gestores de fondos extranjeros en el nuevo marco de regulación en los Estados Unidos. Mientras que las nuevas normas son claramente motivo de celebración entre los profesionales de fondos de arte, gestores de fondos de arte deben tener cuidado de no ir en contra de su nueva libertad. En primer lugar, los gestores de fondos de arte deben hacer las presentaciones bursátiles recién requeridas ante la SEC. En segundo lugar, los gestores de fondos de arte tendrán que tomar las medidas razonables para confirmar que todos sus inversores son inversores acreditados. Los días de simplemente enviando los posibles inversores un cuestionario inversionista acreditado que llenar y firmar han terminado. Por último, los gestores de fondos de arte deben recordar que ellos todavía están sujetos a la prohibición general de realizar declaraciones falsas u omisiones en relación con la oferta de su fondo de capital a los inversores. El mayor peligro en este sentido se encuentra en una administradora de fondos de arte de hacer declaraciones erróneas con respecto a su historial de rentabilidad. Los gestores de fondos de arte que hacen declaraciones públicas sobre sus tasas de rendimiento pasados?, o actuales se beneficiarían al mirar a las diversas normas y comunicados de interpretación que rigen revelaciones similares por asesores de valores conforme a la Ley de Asesores de Inversiones de 1940. - Katherine M.: ¿Qué tipo de inversor es el candidato ideal para invertir en un fondo de arte? - Enrique L.: El inversor ideal para un fondo de arte es alguien con aproximadamente US $ 5 a 10 millones en el patrimonio neto, y un poco (si lo hay) de la exposición a las Bellas Artes. Estos inversores normalmente deben buscar invertir entre 3% y 8% de su patrimonio neto en inversiones alternativas, de las cuales Fine Art debe ser una parte importante. Como verdaderos administradores de dinero le dirá, los días de la inversión de capital propio en sólo dos cubos-acciones y bonos ha terminado. Además, los individuos de alto patrimonio neto que ya se encuentran coleccionistas de arte se convierten en inversores en fondos de arte que se benefician de los diversos beneficios otorgados a los inversores preferentes o estratégicos del fondo. Estos beneficios incluyen los derechos a pedir prestado y vivir con obras de arte de primer nivel del fondo, los derechos de co-invertir con el fondo en determinadas adquisiciones de arte, arte de asesoramiento gratuito y servicios de gestión de cobro, y los derechos para incluir sus obras individuales con obras de arte del fondo con el fin de recibir los términos preferidos concederse a fondo en relación con los envíos y préstamos de museos. - Katherine M.: ¿Qué características poseen los fondos de mayor éxito, en términos de cualidades de liderazgo, la diversidad de la colección representada, estructura financiera, supervisión, etc.? - Enrique L.: Los fondos de arte más exitosos son aquellos que se pueden combinar los dos siguientes características, la capacidad de obtener obras de arte de calidad de inversión a precios significativamente por debajo del valor justo de mercado actual, y para mantener un bajo costo total de funcionamiento del fondo (incluyendo comisiones de compra y venta). - Katherine M.: ¿Cómo ve la evolución del arte como una clase de activos? ¿Qué debe ocurrir para el arte de convertirse en un activo más atractivo para alta acaudalados individuos que no han comprado el arte en el pasado? - Enrique L.: El establecimiento de cualquier clase de activos requiere la aceptación general por la comunidad de inversionistas de la idea de que el activo subyacente puede producir históricamente retornos de inversión significativos, y que un país desarrollado y el funcionamiento del mercado para la adquisición ordenada, administración y disposición del activo existe. Durante la última década, el mercado del arte ha recorrido un largo camino para cumplir con dichos requisitos. A través de los índices de arte, tales como el Índice Art Mei Moisés Fino y de artnet diversos índices, la comunidad inversora ha podido cuantificar las tendencias a largo plazo de la apreciación de los precios en el mercado de bellas artes, y han sido capaces de demostrar que, en muchos casos, la rendimientos generados por las inversiones de bella arte es igual, y en algunos casos supera, los rendimientos generados por las inversiones tradicionales como acciones, bonos y bienes raíces. Mientras que el mercado del arte no se siguen plagados de desafíos relacionados con la transparencia de los precios, y en algunos casos los actos de fraude, han surgido diversos actores del mercado del arte, ofreciendo soluciones importantes y eficaces para algunos de los problemas que afectan el funcionamiento correcto y ordenado de la técnica mercado. La introducción de diversas bases de datos para el seguimiento de las últimas ventas de obras de arte, como la artnet Precio Base de datos ha ayudado a inculcar una mayor transparencia de precios y ofrecer puntos de referencia para la valoración y negociación ordenada de obras de arte. Del mismo modo, el desarrollo de Aris seguro de título de seguro de título sobre las transacciones Bellas artes ha contribuido a reducir los riesgos inherentes a la compra y venta de cualquier obra de bellas artes. Incluso las empresas de contabilidad y bufetes de abogados están lanzando grupos de práctica de arte centrada en proporcionar finalmente los participantes del mercado de arte con un asesoramiento adecuado y la planificación en un nivel similar a los mercados más tradicionales de inversión. Si las tendencias actuales continúan, todos podemos esperar ver el continuo desarrollo del mercado de bellas artes en un mercado de inversión sofisticado con herramientas de inversión, plataformas y estrategias similares a las que implican otras clases de activos de larga data. - Katherine M.: Muchas personas tienden a centrarse en los fracasos de los fondos anteriores al considerar la sostenibilidad de los fondos de arte como vehículos de inversión; ¿cómo responder a estas preocupaciones? Tener nuevos fondos de arte aprendido de los errores de los fondos anteriores, y tendrá la nueva generación de los fondos frente a los mismos tipos de obstáculos? - Enrique L.: Mientras que la generación actual de los fondos de arte continúa enfrentando una batalla cuesta arriba en términos de la obtención de capital y corregir las percepciones inexactas del mercado en cuanto a su viabilidad y las intenciones, que no se benefician de la lección aprendida por los gestores de fondos de arte durante la recesión de 2008. Los gestores de fondos de arte hoy en día están buscando menos capital de inversión de sus inversores, optando en lugar de limitar sus inversiones a aquellas obras de arte que ofrezcan el mayor potencial de apreciación de los precios. Por otra parte, los gestores de fondos de arte han comenzado a incorporar las restricciones de la banda en general las restricciones de inversión de cartera. Estas restricciones banda esencialmente limitan la cantidad de capital de inversión que puede ser invertido en bellas artes en un año, lo que disminuye las posibilidades de compra de la mayor parte de las obras de arte del fondo en la parte superior del mercado, así como ayudar a mantener a algunos de "polvo seco" del fondo para hacer inversiones tras correcciones de mercado significativas. - Katherine M.: ¿Qué nos puedes contar sobre el desarrollo del campo del derecho del arte en los últimos años? -Enrique L.: La mayoría de las personas hoy en día, cuando piensan en derecho del arte, piensa en juicios de alto perfil que involucran costosas obras de arte entre los principales actores del mercado del arte. Si bien esto es una parte importante de la práctica, lo que ha sido de lo más emocionante en los últimos 10 años es el creciente reconocimiento entre los coleccionistas y los asesores de arte en cuanto a la importancia del arte comercial ley, es decir, la negociación de las transacciones comerciales de arte y contratos. Mientras que hace 30 años, los coleccionistas compraban obras de arte utilizando facturas que parecía que podría haber sido escrita en una servilleta, o ilustraciones entregar al galerista con un apretón de manos, los coleccionistas de hoy en día se han dado cuenta de que tienen que insistir en representaciones adecuadas y garantías por, galeristas y comerciantes por igual. Esto es especialmente cierto ahora que las obras de calidad de inversión de arte regularmente superan el $ 1 millón en el precio. Las recientes acusaciones de lavado de activos por varios agentes del mercado de arte de alto perfil también han llevado a los coleccionistas y asesores para empezar a hacer preguntas y exigir garantías en sus facturas de venta que las contrapartes de las transacciones de arte no están involucrados en el lavado de dinero, la financiación del terrorismo, u otro actividades ilegales. Estamos viendo que estas disposiciones se abren camino en la compra de arte y de los acuerdos de venta de hoy. He tenido la suerte de trabajar con algunos de los coleccionistas más importantes del mercado del arte y han ayudado en la negociación de algunas de las más grandes adquisiciones, ventas, envíos, y préstamos de museos en el mercado del arte en la actualidad. Es un privilegio poder seguir haciéndolo, y para ser capaz de trabajar con los tesoros culturales de nuestro tiempo.

Tutorial sobre la pintura china con pincel

La pintura china es comparable a la pintura moderna en acuarela. Esto es debido a que la tinta utilizada en la pintura china se suele mezclar con agua, lo que le dará una sensación de acuarela. La principal diferencia entre los dos estilos es la manera en la que sostienes tu pincel. El dominio de la manera en que lo sostienes es el primer paso hacia la pintura en el método chino. El papel correcto Cuando estés buscando el papel adecuado, debes escoger algo un poco más absorbente en lo cual practicar. Esto es porque mantendrá la tinta justo donde la pintaste y se secará mucho más rápido. Este papel tiene un peso más ligero y se puede encontrar en grandes libros de papel impresos. Un papel menos absorbente mantendrá la tinta en la parte superior del papel hasta que se seque. Esto le dará un color más oscuro, sin embargo, es mucho más fácil de mancharse. Es posible, aún así, que quieras experimentar con el papel a medida que comiences a pintar. Los diversos papeles reaccionan de manera diferente al agua, y algunos pueden dar un aspecto que te sea más agradable. El agua y la tinta Cuanta mayor cantidad de agua utilices con tu tinta, más ligera aparecerá ésta en el papel. Si quieres un lavado ligero de tinta a través de un área grande de tu papel, sumerge el pincel en el agua y deja que la absorba. Retira el pincel y sumérgelo en la tinta. Esto dirigirá una menor cantidad de tinta porque el pincel ya está lleno de agua. Para colores más oscuros y más vivos, utiliza menos agua. Al no utilizar nada de agua darás un color audaz, sin embargo, no se extenderá como el color tradicional al agua, ni va a ser tan indulgente. Trazo del pincel Coloca el pincel directamente en el aire. Debe estar perfectamente perpendicular al papel cuando estés pintando. Para ello, crea un puño abierto y desliza tu pincel por el índice y el pulgar. Estos serán los principales dedos que sostendrán el pincel. Descansa tu medio y anular contra el pincel también. Con los cuadros más grandes, mantén el agarre en el centro del mango. Esto te permitirá un agarre suelto y más libertad mientras manejas dicho pincel. Para las pinturas más pequeñas, apoya la muñeca en la mesa. Esto es porque tendrás que ser mucho más preciso. La pintura Al pintar, añade siempre el color más claro en primer lugar. Esto es debido a que la pintura tiene tinta. La tinta más clara ahora se mostrará por sobre los colores oscuros. Pinta todos los objetos más claros primero, y luego ve a los detalles con la tinta más oscura. También debes hacer que la tinta clara se seque primero. Si la tinta clara todavía está húmeda, la tinta más oscura empezará a sangrar a través de ella.

Tipos de pinceles utilizados en la aplicación de acrílico

La mayoría de pintura acrílica se aplica utilizando pinceles planos, redondos o de lengua de gato o una variedad de otras herramientas. Los pinceles de mopa, de maquillaje y delineadores se utilizan a veces en la pintura de acrílico, pero se suelen reservar para la pintura al agua. La calidad y el tipo de pincel utilizado son factores determinantes en el éxito de cualquier pintura acrílica. Los pinceles baratos o desgastados pueden hacer que la aplicación de pintura sea difícil, y también pueden perder cerdas que podrían dañar la pintura. Pinceles planos Los pinceles planos disponen de una férula plana, y generalmente tienen cerdas todas de la misma longitud y con un corte plano en el extremo. Esto les permite trazar líneas claras y rectas, cargadas con pintura. También les permite ser útiles para rellenar las áreas grandes o las sombras de los objetos en el lienzo. Ocasionalmente encontrarás pinceles planos con sus cerdas cortadas en un ángulo, con un lado de las cerdas considerablemente más corto que el otro. Este pincel es útil para las esquinas estrechas y para el trabajo de detalles. Algunos artistas crean sus propios pinceles planos inclinados recortando las cerdas de un antiguo cepillo de cerdas planas. Cepillos redondos Los pinceles redondos tienen una férula redonda y las cerdas están inclinadas hacia un punto en el extremo. Este punto hace que sean útiles para el trabajo de detalles, pero pobres para dibujar líneas rectas, para llenar grandes áreas o para el sombreado. El pincel redondo puede ser utilizado en áreas donde incluso un pincel de lengua de gato muy pequeño o un cepillo plano serían demasiado grandes para el trabajo de detalles finos y, por lo tanto, resulta ser un pincel indispensable. La clave para usar un pincel redondo es cargarlo cuidadosamente con sólo la cantidad de pintura necesaria. Un pincel redondo muy cargado tiende a gotear la pintura y extenderla de manera inconsistente. Pinceles de lengua de gato Los pinceles de lengua de gato se encuentran entre los tipos más útiles de pinceles para la pintura acrílica. Su férula plana y redonda compuesta por cerdas les permite a los pintores rellenar áreas grandes de manera uniforme y consistente, pintar líneas curvas suaves, y permitir que las líneas ahusadas en el extremo. La mayor parte de la mayoría de los cuadros se completan con un pincel de lengua de gato. Usado sobre uno de sus lados, este pincel también puede ser útil para letras y para dibujar líneas finas y rectas. Los antiguos pinceles de lengua de gato también se emplean a menudo para técnicas que requieren pinceladas en seco. Otros métodos de aplicación Dependiendo del espesor y la viscosidad de la pintura acrílica, a veces se usan otras herramientas para aplicarla en un lienzo. Aunque no son considerados generalmente como pinceles por los no pintores, estas herramientas extienden la pintura y permiten moldear una imagen del mismo modo que los pinceles tradicionales. Los más populares de estos instrumentos alternativos son las cuchillas para pintar y las espátulas. Las cuchillas para pintar son cuchillos de plástico o de metal diseñados para contener pintura y extenderla sobre una superficie. Las cuchillas de pintura tienen una cuchilla en ángulo hacia abajo desde el mango, mientras que las espátulas son planas. Otros artistas prefieren aplicar la pintura con trapos de tela, hilos, cepillos de dientes e incluso con las manos.

Tipos de pinceladas

La acción de aplicar pinceladas o trazos sobre una superficie plana es la actividad básica de hacer una pintura. Los tamaños y las formas de los pinceles definen el tipo de pincelada. Los pinceles flexibles producen pinceladas fluidas. Los pinceles duros hacen marcas más gruesas y uniformes. Las pinceladas varían de acuerdo al movimiento de la mano y del brazo y de la presión que el artista aplique sobre el pincel. Caligrafía La caligrafía es una antigua tradición china y japonesa de utilizar las pinceladas o trazos para representar artísticamente los caracteres chinos en tinta o pintura. Los calígrafos empleaban ocho trazos básicos. Los trazos de punto retienen el patrón asumiendo diferentes formas. El guión o el trazo horizontal. El trazo perpendicular o vertical, el trazo corto ascendente hacia la derecha y el trazo corto descendente hacia la izquierda son cónicos con forma de hoja. El trazo diagonal tiene forma de espada. El trazo con gancho y el trazo horizontal con esquina pueden tener forma de “v” o pueden tener un gancho o curva pequeña en la punta del trazo. Impresionismo Los artistas impresionistas franceses del siglo XIX fueron los primeros en dejar ver las pinceladas en una obra terminada. Las pinceladas muestran cómo fue elaborada la pintura y la forma en que los trazos se hicieron parte de la composición. Los artistas anteriores mezclaban sus pinceladas hasta desvanecerlas o pintaban con la veladura que consiste en aplicar capas delgadas de pintura. Los impresionistas utilizaron trazos individuales para sugerir la textura y la curvatura de los objetos pintados. Las pinceladas podían ser en forma de coma, en zigzag o trazos angulares cortos que se aplicaban para crear un movimiento expresivo. Neoimpresionismo El movimiento neoimpresionista comenzó en Paris y duró desde 1886 hasta 1906. Las pinturas neoimpresionistas fueron hechas con pinceladas rotas y altamente visibles. A menudo la pincelada era el foco principal de la pintura. Las pinceladas podían ser largas y expresivas como las de Vincent van Gogh o cortas y ordenadas como las de Paul Gauguin y Paul Cezanne. Las pinceladas gruesas en bloque caracterizaron la obra de Paul Signac. El puntillismo empleó un sistema de diminutas pinceladas en forma de puntos que fue utilizado por George Seurat y sus seguidores. Tipos de pinceladas Las pinceladas de pincel seco son aplicadas con un pincel cargado con pintura gruesa. La pintura se adhiere a los puntos más altos de la base de pintura que tiene el papel o el lienzo dejando ver un poco de este color base. El scumble es una técnica de pincel seco en donde la pintura es aplicada con pequeños golpes para producir pinceladas irregulares de pintura semi seca frotada sobre el lienzo. El empaste es una técnica que utiliza pinceladas de textura muy gruesa para lograr el efecto de una superficie sobresaliente. Las pinceladas de empaste frecuentemente atraen más la atención que el contenido mismo de la pintura.

Técnicas sobre cómo pintar árboles

Pintar árboles puede ser una tarea exigente, sobre todo para un artista aficionado, ya que la delicadeza y el realismo del follaje pueden ser perdidos gracias a la torpeza y falta de práctica. Sobrecargar un árbol de pintura también puede dañar tu trabajo, porque puede perder el realismo. Hay muchos métodos diferentes para pintar un árbol con habilidad. Salpicadura Mientras que el lienzo está aún mojado, utiliza la punta del pincel para salpicar pintura sobre las ramas para un follaje con más textura. Pasa el dedo a través del pincel para salpicar la pintura, enjuaga el pincel antes y después de usar cada uno de los colores. Utiliza un pincel de plantilla de cualquier otra cerda. Las salpicaduras se utilizarán como base para pinceladas más detalladas sobre el follaje más adelante. También usa el efecto de salpicadura para imitar a árbol joven frescamente incipiente. Para las correcciones, limpia cuidadosamente la pintura errónea con un pañuelo de papel; de lo contrario, asegúrate de proteger las áreas de no-salpicado de las salpicaduras. Mojado y seco Tras la salpicadura, dispón los colores de fondo mientras que el lienzo todavía esté húmedo, asegurándote de que el árbol salpicado no se desdibuje en el fondo. Después de pintar y salpicar la base, deja que se seque. Trabaja en el resto de la pintura sobre una capa de pintura seca, añade más colores para el follaje si es necesario, o diferentes matices del mismo color para un aspecto texturado. Sombras De acuerdo con las indicaciones para pintar árboles del artista de acuarela John Lovett, las sombras en un tronco de árbol serán más oscuras o justo del lado de donde venga la luz. Un color más cálido se utilizará en el tronco del árbol debido al reflejo de la luz y su proximidad al suelo. Pintar el follaje con colores claros en la parte delantera y con colores más oscuros y sombríos en la parte de atrás le dará al árbol más dimensión. Lleva las sombras a las ramas del árbol que están en el lado opuesto de donde la luz golpea. Pincel redondo Un pincel redondo es una herramienta muy versátil para pintar árboles. Tocando la tela, o utilizando el borde lateral del pincel redondo puedes llevar a cabo una variedad de efectos, incluyendo un follaje más irregular y realista. Pinta un árbol siempre verde o pino usando el pincel redondo horizontalmente, acortando la longitud de cada capa lo más arriba que vaya. Más pinceladas lineales también te darán hojas de palma.

Técnicas de pintura acrílica

Los fabricantes de pintura acrílica han desarrollado una gran variedad de productos compatibles que funcionan bien tanto con las técnicas tradicionales como con las experimentales. Puedes obtener vitrales de calidad al estilo de los viejos maestros o probar nuevas aplicaciones y técnicas para estilos de pintura abstractos u otros. Ya que se pueden mezclar los distintos geles, materiales, aditivos y demás sustancias y, debido a que todos son solubles al agua, las posibilidades disponibles son casi infinitas. Vidriar El vidriado es una forma muy antigua de obtener colores como los de las joyas y crear efectos atmosféricos convincentes por medio de aplicaciones de capas finas y translúcidas de pintura. El vidriado proporciona una riqueza que no opaca la pintura, pues permite que el blanco del fondo o de la pintura base brille a través de la pintura translúcida. Diluye un poco de pintura con agua y, preferentemente, un poco de medio. El brillo acrílico es útil para esto y le añadirá un lustre a la pintura. Puedes aplicar la pintura capa por capa, dejando que cada una se seque, o bien, colocar pintura apenas más opaca y frotarla con un trapo. Verter Vierte la pintura directamente sobre el lienzo para que se disperse de forma pareja. Puedes emplear un tipo de acrílico preformulado o crear el tuyo con una mezcla de pintura de tubo con un medio acrílico y agua. Dale el grado de opacidad o viscosidad que desees añadiendo más pintura o medio, según sea necesario. Coloca el lienzo de forma horizontal sobre una mesa o el piso. Vierte directamente sobre el lienzo y manipula la pintura elevando los bordes del lienzo para dirigir el fluido. Así, obtendrás una cubierta más pareja que si usaras un pincel que puede dejar marcas y partes más claras. Experimenta con fluidos dinámicos e interesantes vertiendo dos o más colores sobre distintas partes del lienzo y dejando que fluyan y se mezclen entre sí. Verás formas complejas de espirales y remolinos que no podrías conseguir con un pincel. Gotear La técnica de gotear pintura existe desde mucho antes del arte de Jackson Pollock. Mezcla un poco de pintura con medio o agua. Puedes usar un poco de acrílico impermeable para que la pintura se vea de mala calidad. Haz algunos agujeros en una lata de pintura y gotea la pintura sobre un cuadro en posición plana. Sumerge el pincel en la pintura líquida y chorréalo o lánzalo sobre le lienzo. Para crear hileras de pintura más extensas vierte la pintura directamente de un recipiente siguiendo una corriente firme.

Técnicas de estirado de lienzo

El estiramiento de lienzo es el acto de tirar de un lienzo por un marco de madera para pintar. Hay varias técnicas diferentes para el estiramiento exitoso del lienzo, algunas de las cuales han sido usadas por cientos de años, y en más en la actualidad, los lienzos fabricados suelen ser estirados con máquinas especiales. Borde abrochado La técnica moderna más común de estiramiento de lienzo es el borde abrochado. El lienzo es estirado bien tenso alrededor de un marco cuadrado con pinzas para lienzos, y luego son fijados en el lugar con una grapadora. Las esquinas son acabadas doblando el exceso de tela una sobre la otra, y abrochando la unión al marco de madera y recortando el exceso de tela sobrante. Envoltorio ajustado Este método para estirar el lienzo basado en las técnicas históricas, genera lienzos mucho más tensos que la técnica del engrapado y por lo tanto, son más receptivos como superficie de pintura. Los bordes quedan libres y sirven como superficie de pintura, y el orillo del lienzo queda en la parte trasera del mismo, permitiendo que los artistas vuelvan a estirar el lienzo de ser necesario. Envoltorio con ajustador de vinilo La técnica del ajustador de vinilo es similar al envoltorio ajustado, en el sentido de que los bordes del lienzo quedan disponibles como superficie de pintura. Se presiona un ajustador de vinilo en la parte trasera del marco para asegurar el lienzo ajustado y las esquinas son ajustadas manualmente para reducir bultos. Esta técnica es la favorita para los artistas que quieren estirar sus propios lienzos. Borde pegado El borde pegado es una técnica para los marcos ovales o circulares e implica pegar los lienzos en lugar de abrocharlos- aumentando lentamente las piezas para reducir las ondas o bultos en la cara del lienzo. Como en las dos técnicas anteriores, este método preserva los bordes del lienzo como superficie para pintar.

Técnicas de dibujo a lápiz

El dibujo con lápices es una forma de arte que ha existido durante siglos. El bosquejo a lápiz es una de las formas más básicas de expresión artística y suele ser el punto de partida para los artistas principiantes. Algunos van a crear en otros medios, mientras que otros continúan perfeccionando sus habilidades con el lápiz y resultan magníficas obras de arte bosquejeando. Aquí hay algunas técnicas y consejos que puedes utilizar para crear dibujos a lápiz dignos de enmarcar. Herramientas del oficio Necesitas muy poco para empezar a dibujar a lápiz. El dibujo a lápiz es, de hecho, una de las formas más asequibles para participar en actividades artísticas. Una serie tradicional de 2 lápices y trozos de papel son todo lo que necesitas, pero si quieres tomarlo en serio, podrás abastecerte de herramientas profesionales del oficio. Esto incluye un borrador amasado, un bloc de dibujo, y una amplia selección de lápices. Los lápices se clasifican según su espesor. Una combinación de letras y números indican la dureza (H), una punta fina (F) y el nivel de oscuridad (B). Un lápiz estándar para escritura se califica como HB, lo que significa que es duro con una salida oscura. Cuanto más blando sea, más oscuro será. Un lápiz clasificado 9H será duro, con una salida gris. Considera la compra de una amplia gama de lápices de arte de calidad en una tienda de hobby, oficio o arte para permitir la más amplia variedad de opciones de sombreado y dibujo. Para opciones adicionales creativas, es posible que desees comprar un juego de carboncillo y un conjunto de lápices de grafito. Trazos básicos Varios trazos de lápices se utilizan para conseguir diferentes efectos de tonos. El barrido es una técnica usada para crear bocetos impresionistas. Esto implica sostener el lápiz a un ángulo extremo y barrer el lápiz de lado a lado, gradualmente aplicando más presión y oscurecimiento de los trazos. Un bosquejo completo se puede hacer con este método para producir un trabajo que carece de líneas duras y se basa más en el sombreado para la terminación. El Cross hatching es otro método de trazo usado para crear variaciones de tonos. El Cross hatching se realiza mediante el trazado de líneas cortas horizontales, luego repitiendo el proceso sobre las líneas horizontales con trazos verticales. El Cross hatching es una forma efectiva para crear una textura insinuada en tus dibujos. Los trazos en espiral son útiles para la elaboración de pelo o la adición de un elemento de dibujo a un objeto. Al hacer trazos en espiral, el lápiz rara vez se quita del papel hasta que el diseño se dibuja o colorea. Grafito sobre carboncillo La combinación de grafito sobre carboncillo es una técnica que puede producir hermosos resultados en la terminación de tu trabajo. El aspecto brillante, la apariencia gris sobre el negro profundo del carboncillo añade un elemento de terminación a tu dibujo con carboncillo que se destaca desde la distancia. Puedes utilizar esta técnica para facilitar un efecto 3-D en tus dibujos con carboncillo. Resaltando con lápiz de color Usar lápices de color para insinuar un tema teñido en tu dibujo a lápiz es una técnica que se utiliza a menudo. La obra terminada es principalmente blanco y negro, pero si añades trazos de color alrededor de los bordes de tu dibujo y usas un borrador para trabajar el color en áreas seleccionadas del mismo tema, puedes llevar a cabo una coloración insinuante. Los lápices de color cambian drásticamente cuando se mezclan con el gris y negro de tu trabajo a lápiz, así que puedes necesitar un borrador para eliminar suficiente cantidad de lápiz original debajo para permitir que los trazos de color brillen a través.

Quitar el moho a un oleo

Lleva el cuadro al exterior, en un día soleado. Cuando más brillante esté el sol, la eliminación y el secado del moho será mejor. Lleva el cuadro al óleo nuevamente al interior después de varias horas o cuando el moho húmedo se haya secado. Quita el moho seco con un cepillo. Asegúrate que tenga cerdas suaves para no rasgar el lienzo. Pon agua en un tazón de vidrio y vierte varias gotas de lejía para diluirla. También puedes usar un producto comercial a base de lejía que ya esté diluido. Sumerge un paño 100 por ciento de algodón en la lejía diluida. Escúrrelo para que sólo esté ligeramente húmedo. Aplica el paño en ambos lados del cuadro, donde se encuentra el moho, y por ultimo lleva el cuadro nuevamente al exterior y espera a que se seque.

Pinturas "Violín y Vidrio"2

Dos pinturas llamadas "Violín y vidrio" aparecieron como parte del movimiento abstracto artístico llamado cubismo. El arte abstracto no intenta recrear una representación del mundo real. Usa formas, líneas y diferentes colores para representar el punto de vista del artista sobre un tema. Se toma libertades con los colores y las imágenes. Las pinturas de los hombres de las cavernas pueden considerarse arte abstracto, pero las primeras obras modernas de este género aparecieron a finales del siglo XIX. En el siglo siguiente, Pablo Picasso y sus amigos introdujeron la primera orden de obras de arte abstracto. Cubismo Para la exhibición de la galería de arte parisina, "Salon d' Automne", en septiembre de 1908, George Braque se preparó para presentar una pintura abstracta que para algunos parecía tener cubos incrustados. Los miembros de la prensa artística vieron la pintura antes y se generó gran expectativa desde antes de su aparición pública. Braque luego quito la pintura de la exhibición, pero comentó sobre los "cubos" que llamaron tanto la atención de las personas. Un escritor en 1909 se refirió a este estilo como Cubismo cuando descubrió que un amigo cercano de George Braque, Pabo Picasso y otros también estaban pintando esta clase de obras abstractos con cubos. George Braque Braque fue uno de los dos pintores que crearon obras llamadas "Violín y vidrio". La suya fue la primera al ser creada entre 1910 y 1911. Braque crearía muchas otras piezas abstractas con vidrio e instrumentos musicales como temas, incluyendo "Violín y paleta", "Mujer con mandolina", "Tazón con frutas y vidrio" y "Dado de vidrio y periódico". Juan Gris Nacido con el nombre de José Victoriano González Pérez, Juan Gris vivía al lado de Piocasso. Juan Gris produjo su versión de "Violín y vidrio" en febrero de 1918, esto según la firma en la esquina inferior izquierda de la pintura. Juan Gris era amigo de Picasso y veía a George Braque como su mentor. Las pinturas "Violín y vidrio", de Juan Gris parece estar delineada por cubos. El violín en el centro parece estar divido en dos mitades que parece que nunca se unen. Gris usa toques de colores pastel, como naranja, púrpura, blanco, amarillo y negro. La versión de Braque está centrada en un óvalo dorado. En su interior, aparecen varios bloques de leña y vidrio, pintados en café y blanco, que se apilan unos sobre otros. El bosquejo a lápiz de un violín aparece como una idea posterior y no está completamente terminado.

Lecciones básicas para pintura china con pincel

La pintura china con pincel es una forma de arte que combina habilidades técnicas con un trasfondo espiritual. Ésta incorpora principios taoístas acerca de la naturaleza y requiere que los artistas pongan su mente y su corazón en su trabajo. Este estilo de pintura a menudo se enfoca en representar paisajes de la naturaleza u objetos presentes en el mundo natural. Aunque se necesita mucha habilidad y mucho entrenamiento para convertirse en un hábil pintor de pincel chino, te puedes iniciar a esta tradicional disciplina artística a través de unas cuantas sencillas lecciones. Técnicas para el principiante de pintura china con pincel De acuerdo con “Los Seis Cánones de la Pintura”, escritos hace cientos de años por Hsieh Ho para que sirviera como un manual para artistas, la pintura china con pincel chino debe lucir viva a consecuencia del chi que posee el artista. Por lo tanto, el artista debe ser un individuo sano espiritualmente hablando para convertirse en un buen pintor. Ho también señaló que el artista debe realizar trazos fuertes y seguros y debe poder representar los objetos tal y como los ve, aún si eso provoca que estos luzcan algo menos realistas. Debe usar la tinta china como su medio, la diversidad de tonos de negro que el artista puede obtener se consideran lo suficientemente coloridos para la buena pintura con pincel chino. En esta forma de arte, el espacio vacío juega un papel tan importante como los objetos. Los aspirantes a artistas deben estudiar las técnicas de los maestros e intentar reproducir su trabajo antes de intentar incorporar su creatividad y de expresarse en su propio trabajo individual. Lección número 2 para el principiante de pintura china con pincel Primero que nada, un principiante de la pintura china con pincel debe acostumbrarse a hacer rápidos y suaves trazos con el pincel. En esta forma de arte no existen los retoques ni las correcciones, por lo que uno debe disciplinarse a sí mismo para lograr hacer trazos espontáneos que a la vez reflejen la imagen visual del artista. Practica pintando objetos sencillos encontrados en la naturaleza (las cañas y hojas de bambú son los objetos con los que más comúnmente practican los principiantes). Practica intentando combinar pinceladas gruesas e intensas con trazos delgados y seguros, ya que ambos son necesarios a la hora de representar objetos y escenas comúnmente encontradas en este estilo de pintura. Lección número 2 para el principiante de pintura china con pincel Después de practicar con hojas y cañas de manera individual, los artistas principiantes deben tratar de combinar ambos elementos, cañas y hojas en un solo conjunto. Una vez que hayan dominado este ejercicio, deben estudiar los trabajos de otros maestros de la pintura con pincel, extrayendo ideas de su trabajo para poder practicarlas. Ya que han podido dominar tópicos aún más difíciles, los pintores comienzan a separarse de lo básico y a pintar según su propia visión de la naturaleza y de su apreciación del mundo.

La técnica para aplicar una textura de arena en la pared

La textura de arena le da gravilla y aspereza a la superficie de una pared. La textura se aplica para añadir carácter y un atractivo visual a la pared. La arena puede camuflar las imperfecciones del muro en seco, incluyendo las grietas y los agujeros. Se encuentran disponibles una variedad de productos sintéticos de arena en muchas ferreterías o pinturerías; de lo contrario, una segunda opción es usar arena limpia. Mezcla Siempre que te prepares para mezclar la arena y la pintura, usa una máscara antipolvo, que disminuirá el riesgo de inhalar el polvo creado por la arena. Vierte la pintura en una cubeta un poco grande pero no tanto que no puedas revolver con un palo. Vierte la arena y revuelve lentamente. Usa la cantidad de arena que quieras incluir en la pared texturada y revuelve bien la mezcla. Aplicación Vierte una pequeña porción de mezcla de arena en una bandeja de pintura. Aplica la mezcla con un rodillo sobre la pared en dirección vertical. Vuelve a cargar el rodillo y pasa la mezcla en dirección horizontal. Aplica sólo presión pareja, nada de fuerza. Revuelve la pintura y la mezcla de arena cada algunos minutos porque las partículas de arena tienden a quedarse en el fondo de la cubeta. Pintura Añade pintura a la textura de arena sólo después de que la pared esté completamente seca. Esto suele llevar de 24 a 48 horas, según Portland Drywall. Toca la superficie de la pared para probar si está seca. Si está muy fría o la sientes fresca al tocarla, entonces espera otro día para pintar. Usa un rodillo de lanilla mediana para aplicar la pintura sobre la superficie de arena. Efectos adicionales Crea la apariencia de una pared antigua usando la misma textura de arena que la base. Agrega capas adicionales de textura de muro en seco derribado aplicando un rellenador con una pala sobre la superficie seca de arena. Aplica un lavado de color sobre la superficie completa usando una pintura marrón oscura o amarillo ocre mezclada con un baño.

Instrucciones para pintar una rosa

La pintura es uno de los pasatiempos más agradables que puedas aprender. Tan sólo algunas técnicas básicas pueden adentrarte en un mundo de expresión artística que se enriquece año tras año. Uno de los ejercicios clásicos de la pintura consiste en aprender a pintar flores simples. Las rosas, que a primera vista parecen ser flores complejas que tomarían mucho entrenamiento y esfuerzo para pintarlas, son muy sencillas de hacer. Puedes aprender a pintar rosas hermosas con pinturas al óleo en muy poco tiempo. Necesitarás Pinturas al óleo Lienzo Pinceles Disolvente de pintura Instrucciones Elige una fotografía o dibujo simple de una rosa de una revista o un libro. Pon atención a la fuente de luz en la imagen y el lugar en el que impacta en la rosa para hacer áreas más ligeras y más oscuras. Dibuja la forma básica de la rosa. Llena ligeramente algunos detalles de sombreado como plantilla para trabajar con las pinturas. Mezcla los colores que necesitarás para aplicarlos en la rosa y en sus hojas. Toma el pincel con punta de cincel suavemente pero con firmeza, como tomarías un bolígrafo o un lápiz. Sumerge la punta de un pincel con punta de cincel en la pintura mezclada, permitiendo que una cantidad suficiente cubra la punta para colocar la pintura en un área pequeña de tu rosa. Comienza al centro de la rosa y crea un pequeño brote con un tono medio del color de tu flor. No te preocupes por colocar muchos detalles. Estos serán cubiertos parcialmente por los pétalos de la rosa. Sumerge el pincel en una sombre ligeramente más oscura del color de la rosa y aplica el color al primer pétalo en un trazo curvo en forma de "C". Agrega otros pétalos, superponiéndolos ligeramente en los extremos. Permite que seque durante varios días. Mezcla los mismos colores, creando esta vez sombras ligeramente más ligeras y oscuras para agregar sombras y destellos a la rosa. Estos colores pueden ir de los muy oscuros hasta llegar casi al blanco. Agrega las sombras y destellos, agregado un poco de disolvente con tu pincel, mezclando los tonos con cuidado para suavizar los colores. Agrega hojas y la base verde del tallo. Agrega sombras de color verde oscuro y destellos de color verde claro para mostrar la dirección de la fuente de luz. Mezcla los tonos. Permite que seque completamente durante una semana. Consejos y advertencias Las pinturas al óleo pueden crear un desorden. Mantén algunas telas viejas o toallas de papel a la mano para realizar una limpieza rápida. Puedes guardar los colores que mezcles para la siguiente sesión colocándolas dentro de un trozo de papel aluminio y sellando los extremos para evitar la entrada de aire, de acuerdo con GuideToOilPainting. Etiqueta los colores para usarlos después. Antes de realizar las primeras pinceladas sobre el lienzo, intenta practicando algunos trazos con el pincel sobre un trozo de papel de desecho, haciendo trazos en forma de "S", de acuerdo con Zest-it. Observa el "flujo" de la pintura y la manera en que inicia y se detiene mientras levantas y mueves el pincel. No te desanimes si no obtienes los resultados deseados en los primeros internos. Aprenderás cometiendo errores y te convertirás en un mejor pintor paso a paso.

Instrucciones para pintar flores pequeñas

Pintar en medios coloridos hechos de óleo, acrílico y agua llevan al pintor a nuevos lugares, cada uno hecho a mano y desde la memoria o a través de ejemplos. Las instrucciones para pintar flores pequeñas pueden ser usadas para rellenar imágenes ambientales más grandes o ser el punto focal de una pintura pequeña. Desarrollar una técnica efectiva es fácil. Incluso si nunca has pintado una flor pequeña en un lienzo antes, puedes comenzar a crear hermosos océanos de color que muestren cuán fácil es pintar flores pequeñas. Necesitarás Lienzo Caballete Trapos sin pelusa Taza de vidrio transparente Instrucciones Coloca un lienzo en tu caballete de preferencia. Asegúralo con los soportes para lienzo deslizando la barra hacia abajo hasta el borde superior del lienzo y apretando la tuerca retenedora. Limpia el lienzo con un trapo limpio y libre de pelusa. Aprieta los tubos de pintura sobre la paleta de artista con los colores más claros más cerca al agujero del pulgar y los colores más oscuros más lejanos. Coloca una cantidad de pintura del tamaño de una moneda pequeña en la paleta y luego la siguiente cantidad de pintura a aproximadamente 2 pulgadas (5 cm) de distancia. Continúa hasta que tengas todos los colores enumerados arriba o una sección de esos colores necesarios para complementar el color de tu escena floreada. Vierte 1/2 taza de diluyente en una taza de vidrio transparente y colócala levemente detrás del borde frontal del caballete y el lienzo para mantenerla lejos del movimiento de las manos mientras pintas. Moja cada pincel en diluyente fresco y seca el exceso en un trapo libre de pelusa. Coloca los pinceles en una taza con el mango hacia abajo para un fácil acceso. Recoge la paleta y el pincel de paisaje de 1 pulgada (2,5 cm). Carga el pincel con un color oscuro. Comenzando desde la parte inferior del lienzo, pinta las primeras capas de color oscuro en el lienzo moviendo el pincel lado a lado y luego en pinceladas cortas hacia abajo y hacia arriba que sean tan anchas como el terreno del que las pequeñas flores pintadas crecerán. Limpia el pincel y cárgalo con un tono más claro del color para continuar creando fondo y contraste. El verde oscuro a verde claro puede terminar con unas flores hermosas de color amarillo y blanco o el color que elijas. Limpia el exceso de diluyente del pincel de paisaje de 1 pulgada (2,5 cm). Cárgalo con el color más oscuro que quieras para las flores. Las flores rosadas deben comenzar con el rosado oscuro y aclararse en capas y patrones cambiantes de color a través de la expansión del lienzo. Presiona el pincel sobre el lienzo en un ángulo de 90 grados de manera que las puntas de las cerdas se doblen levemente. Aleja el pincel del lienzo y muévelo hacia el siguiente espacio abierto que tendrá pequeñas flores cubriendo la pintura. Limpia el pincel de paisaje y recoge un pincel delineador. Cárgalo con un color claro u oscuro dependiendo de los tallos que tendrán tus flores. Las rosas tienen tallos oscuros, mientras que los tulipanes tienen tallos verdes. Elige tu estilo y comienza a colocar las líneas de demarcación de los tallos de las pequeñas flores que estás pintando. Limpia el pincel delineador y recoge tu pincel floral avellanado. Cárgalo con el color más oscuro que tendrán tus flores en el follaje. Presiona la punta del pincel en el lienzo suavemente y luego aléjalo, levantando la punta del pincel hacia el cielo de tu pintura. Esto produce una figura oblonga similar a una gota de agua. Cambia el pincel al pincel floral de 1/2 pulgada (1,25 cm) y jala el color desde el centro de la pintura hacia sus bordes. Termina los bordes de los pétalos con un pincel delineador cargado con la pintura de color más claro para producir pétalos de flores claros. Coloca cada flor sobre un tallo para crear la ilusión de grandes plantas florecientes. Resalta las flores con pinturas de colores claros repitiendo el Paso 5 pero con un tono más claro de pintura. Mover el pincel de un punto al siguiente y aplicar pintura más clara sobre pintura oscura hasta que los reflejos otorguen la profundidad y disfrute visual que pretendías antes de leer las instrucciones para pintar flores pequeñas. Consejos y advertencias Usa un medio en gel para cubrir el lienzo completo antes de trabajar en una técnica de pintura húmeda sobre húmedo. Presionar el pincel sobre el lienzo en ángulos diferentes producirá tipos diferentes de pétalos para flores pequeñas a grandes. Golpea un pincel con diluyente lado a lado sobre una clavija para quitar tanto diluyente como sea posible antes de recargar. El diluyente debe ser quitado por completo antes de recargar pintura en los pinceles. Esta técnica funciona mejor cuando la pintura comienza y termina durante una sesión. A diferencia de las pinturas acrílicas, húmedo sobre húmedo requiere de una superficie de pintura húmeda para trabajar.

Diferentes pinceladas

Los pinceles de pintura pueden manipularse para crear diferentes pinceladas y pintar objetos varios y texturas. Por ejemplo, los trazos de coma y creciente se utilizan a menudo en la pintura de flores, mientras que el de coma y S se utilizan en la creación de plantillas. Utiliza pinceles de calidad y en buenas condiciones y practica a menudo para un rendimiento óptimo de pintado, de acuerdo con el Tole Expression Basic Brush Stroke Tutorial (Expresiones Tole, Tutoría de Pinceladas Básicas). Trazo creciente El trazo creciente o trazo en C es de uso común en la pintura decorativa para la creación de pétalos de flores y bordes decorativos, de acuerdo con el Tole Expressions Basic Brush Totorial (Expresiones Tole, Tutoría de Pinceladas Básicas). Asemeja una "C" al revés, por lo que su arco es superior y sus extremos son el fondo. Este trazo puede hacerse con cualquier tamaño de delineador, pincel plano o redondo. Los pinceles delineadores crean un fino creciente, mientras que los pinceles planos dan un estilo más grueso. Crea un trazo creciente comenzando con tu pincel apuntando verticalmente en el lienzo e incrementando la presión a medida que alcanzas la cima del trazo. Disminuye la presión a medida que curvas el pincel en torno a ti. Trazo de coma El trazo de coma es uno de los trazos más útiles para aprender, de acuerdo con el Tole Expressions Basic Brush Tutorial (Expresiones Tole, Tutoría de Pinceladas Básicas). Este trazo puede hacerse con un pincel redondo, un pincel delineador o uno plano. Utilizar diferentes tamaños de pinceles para crear una variedad de trazos de coma, incluyendo el pintar la "cola" más corta o más larga, utilizando diferentes cantidades de presión o haciendo la coma más curva o recta. Crea trazos de coma sumergiendo tu pincel en la pintura, teniendo cuidado de dejar un poco de pintura extra en la punta del pincel. Comienza el trazo aplicando un poco de presión, y luego permite que el pincel se abanique un poco en lo que llevas el pincel hacia ti; suelta lentamente la presión aplicada. Trata de hacer una curva agradable en el medio del trazo y evita descensos bruscos en la presión del pincel. Trazo de S El trazo de S, que tiene extremos delgados y un medio más grueso, es también un tipo común de trazo con varias posibilidades de variación, dependiendo del tamaño y el tipo de pincel, así como la cantidad de presión aplicada. Crea un trazo de S con un pincel redondo, uno delineador o uno plano. Los pinceles planos se utilizan principalmente para cuando de aprende el trazo de S solamente, de acuerdo con el Tole Expressions Basic Brush Tutorial (Expresiones Tole, Tutoría de Pinceladas Básicas). Comienza un trazo de S sosteniendo tu pincel verticalmente y tirando el pincel hacia ti a la izquierda, mientras que aplicas una presión creciente. Sigue poniendo presión a medida que llevas el pincel hacia la derecha, y luego aclara tu trazo mientras llevas el pincel de nuevo hacia la izquierda, terminando el trazo de S.

Diferentes formas de montar pinturas de acrílico sobre lienzos sin tensar

Las pinturas de acrílico son uno de los medios de pintura en arte más nuevos. Los acrílicos se pueden pintar sobre la mayoría de las superficies, como lienzos tensados o sin tensar, incluyendo almohadillas de lona. Pintar sobre lienzos sin tensar es difícil pero este método a menudo se lo emplea cuando se requieren efectos especiales, como para pinturas de acrílico con goteo y algunas formas de arte abstracto. Tú también puedes crear una pintura de acrílico en el método tradicional sobre lienzos sujetos y luego desmontar la pintura del marco para que el traslado sea más fácil. En cualquier caso, la pintura deberá montarse en un marco o tapiz para que se pueda exhibir. Las pinturas de acrílico están hechas con pigmentos suspendidos en un material acrílico sintético. Se desarrollaron en el siglo XX como un producto de la industria plástica. Existen muchos tipos de pinturas acrílicas, disponibles para varios usos diferentes. Puedes encontrar las pinturas acrílicas que encajen con tu nivel de capacidad artística y tu presupuesto. Las diferentes pinturas acrílicas están hechas para pinturas de exterior, artesanías, arte estudiantil y bellas artes. Las pinturas de acrílico sobre lienzos son una opción popular para los artistas modernos, ya que ofrecen una opción más rápida para crear arte en lugar de los óleos y, además, son más versátiles que la pintura con acuarela. Lienzos Los lienzos para pintura generalmente están hechos con lino o lona de algodón. Los tipos más adecuados de lienzos para pintura con acrílico son los lienzos tensados y sin tensar, las almohadillas de lienzos y los paneles de lienzos. Los lienzos hechos de algodón generalmente son más baratos, más flexibles y fáciles de estirar que los lienzos de lino. Los no tensados son los que no han sido montados. Generalmente los lienzos vienen en rollos que te dan la flexibilidad de montarlos de la forma que desees. También te permiten crear pinturas en tamaños o dimensiones inusuales. Las almohadillas de lienzos también se hacen de hojas de lienzos no tensados. Montaje El medio de montaje más común de una pintura acrílica sobre un lienzo sin tensar es tensándolo sobre un marco o tensor de lienzo. Necesitas hacer o comprar un marco del tamaño apropiado para la pintura. Luego, con cuidado, deberás estirar el lienzo sobre los cuatro lados del marco y con espero y cuidado colocar grapas sobre el lienzo en las parte trasera del marco. Para proteger la pintura, puedes enmarcarlo colocando un panel de vidrio transparente sobre la superficie y montar el lienzo tensado en un marco decorativo. Si el lienzo es muy pesado, puedes montar la pintura en una carcasa, pasándola por una varilla y colgándola de la misma forma que harías con un tapiz. Las pinturas hechas sobre almohadillas de lienzo se pueden estirar en un marco o se pueden fijar a un respaldo robusto utilizando grapas o pegamento. Precauciones Ten cuidado cuando estiras una pintura en acrílico ya hecha sobre un lienzo no tensado para no estirarla más de lo necesario, ya que el estrés de estirarla puede causar roturas en la pintura y, finalmente, dañarla. No montes y desmontes las pinturas de forma repetida a menos que sea absolutamente necesario.

Cómo usar pinturas al óleo en un lienzo

¿Crees que pintar con pinturas al óleo sobre lienzo suena como algo que es sólo para artistas profesionales? Los principiantes no deben temerle a este medio clásico. Cualquiera puede usar pinturas al óleo con la ayuda de algunas técnicas simples. Las pinturas el óleo brindan facilidad de trabajo ya que se secan lentamente y mezclan una gran paleta de colores. Necesitarás Yeso Paleta de madera o de papel Selección de pinturas al óleo (ver consejos) Aguarrás Instrucciones Sella el lienzo con entre dos y cuatro capas de yeso antes de pintar al óleo. Si compras un lienzo sin estirar, necesitará ser montado y estirado sobre un marco de madera y luego sellado con yeso antes de usar. De manera alternativa, compra lienzos listos para usar en láminas o almohadillas, con paneles con fondo de tabla o pre estirados sobre marcos que ya tengan el yeso aplicado. Prepara la paleta de pinturas al óleo sobre la madera o en un papel descartable. Si es posible, utiliza pinturas de artista profesionales, ya que contienen más pigmento y colores más ricos. Limita la paleta que utilices a los básicos rojo, amarillo, azul, marrón, negro y un gran tubo de blanco. Mezcla los colores secundarios con estos colores primarios y neutrales para una paleta de tonos más ricos. Utiliza aguarrás para limpiar los pinceles entre los colores y luego escúrrelos en un trapo limpio de algodón. Utiliza un medio para diluir la pintura. Crea un medio utilizando mitad aguarrás, mitad barniz si no quieres comprar un medio de pintura al óleo premezclado. Mantén ambos en frascos de vidrio tapados como frascos de mermelada o de comida para bebés. Boceta la composición. Utiliza un pincel redondo de tamaño de 2 a 5 utilizado normalmente para los trabajos de detalle. Boceta las formas básicas para usar como guías cuando pintes con marrón con gran cantidad de solvente y que sea transparente. Pinta todo el lienzo en grandes zonas de colores básicos con la pintura al óleo diluida con el medio suficiente para crear una apariencia transparente. Estudia el objeto cuidadosamente para determinar los bloques de fondo predominantes de color para utilizar. Mantén los óleos suaves o transparentes en este paso, ya que una primera capa demasiado gruesa a menudo genera quiebres posteriores. Pinta la siguiente capa de colores en el lienzo utilizando un poco menos de solvente que en el paso anterior. Comienza a agregar detalles a las grandes formas en tu composición. Presta atención a los tonos, sombras y áreas suaves y comienza a pintar estas igualmente. Crea los detalles más finos con pinceles redondos pequeños y pintura al óleo sola o con muy poco medio en la capa final de pintura al óleo sobre el lienzo. En este paso, podrías querer utilizar un cuchillo de paleta para agregar detalles de textura a los objetos como las plantas, el cielo o el agua. Además, asegúrate de terminar de detallar las zonas de color más suaves y las zonas oscuras de tonos y sombras. Aplica un acabado final dos semanas o más luego de que el lienzo se seque al tacto. Mezcla tu propio barniz mitad barniz y mitad aguarrás si lo deseas. De lo contrario, compra un barniz para pintura al óleo ya mezclado. Asegúrate de que la pintura al óleo se seque por completo antes de aplicar un barniz final para evitar grietas. Consejos y advertencias Los colores primarios sugeridos para comenzar una paleta y mezclar otros colores incluyen: amarillo ocre, amarillo cadmio, ocre oscuro, siena quemada, rojo cadmio, viridiano, azul cerúleo, azul cobalto, gris de Payne, negro marte y un gran tubo de blanco titanio. A menudo el gris es un tono para oscurecer los colores que el negro. Encuentra el tamaño de pincel buscando números pequeños en el mango de madera. Una buena selección de pinceles incluye algunos pinceles de cerdas planas y de tamaño de 2 a 10, un par de pinceles pequeños y redondos de 2 a 5 de tamaño para los detalles y un pincel plano de tamaño grande para las secciones del fondo y las zonas grandes en tamaño 15 o superior. Repara los errores con un trapo mojado en aguarrás. Siempre utiliza capas delgadas y transparentes de pintura al óleo a la que se le haya agregado una gran cantidad de medio de aguarrás debajo de las capas más gruesas con poco medio para evitar grietas cuando se seque la pintura.

Cómo usar pinturas acrílicas y medios mixtos sobre lienzo

Una forma apasionante de crear obras de arte es utilizando una combinación de medios tradicionales y contemporáneos. La mezcla de pinturas acrílicas, objetos tridimensionales, dibujos y otras formas de arte sobre lienzo se llama pintura en "medios mixtos". La mezcla de medios le da a las obras contemporáneas un impacto agregado y un interés más visual. La pintura acrílica es fabulosa cuando se mezclan medios, ya que no se disolverá o dejará manchas de aceite como lo haría la pintura al óleo. Con una combinación de pintura, pegamento y prácticamente cualquier otro material que el artista quiera agregar, una composición en acrílico y medios mixtos es una forma de ejercitar tu creatividad. Necesitarás • Un bloc de dibujo • Un lápiz • Un lienzo • Una goma Instrucciones Decide el tema de la pintura. Obtiene una noción del motivo creando unos rápidos bosquejos que transmitan la idea general de la obra. Ya sea que la pintura exprese emoción, ideas políticas o que simplemente sea una pieza decorativa, es importante hacer un boceto de antemano. Éste le dará al artista una idea de dónde ubicar los medios mixtos. Ubicarlos a ciegas puede resultar en una composición atestada de cosas. Haz un boceto de las formas, rostros, rayas y otros diseños finales directamente sobre el lienzo con un lápiz. Puedes borrar cualquier error con una goma. Dibuja suavemente; las líneas oscuras en lápiz a veces son visibles sobre colores más transparentes. Comienza a pintar el boceto con pintura acrílica. Usa pinceles para un acabado más suave. Puedes utilizar espátulas para aplicaciones de pintura más gruesas y texturizadas. Exprime tus pinturas sobre la paleta; luego rasquetéalas con la espátula. Ten en cuenta que la pintura acrílica se seca muy rápidamente, especialmente cuando se aplica en capas delgadas. Puedes mezclar un producto de secado lento con la pintura para extender el tiempo de secado hasta un 40 por ciento. Agrega los materiales mixtos antes de pintar, o después de que la capa de pintura base se haya asentado. Puedes adherir éstos con pegamento caliente o para artesanías directamente sobre el lienzo. Sin embargo, algunos artistas optan por usar pintura acrílica como pegamento, fijando los medios mixtos una vez que está listo el fondo básico. Cuando empleas pintura acrílica como pegamento, es necesaria una aplicación gruesa de pintura, y el lienzo debe estar en posición horizontal para evitar que se resbalen los elementos agregados. Termina la pintura agregando detalles con el pincel y esténciles. Agrega profundidad y más atractivo visual a la pintura incorporando diseños con pintura en aerosol. Hazlo cortando una forma básica o compleja en cartón o cartulina. Luego, sostén ésta contra el lienzo y rocía suavemente con pinceladas rápidas. Crea diseños con la pintura en aerosol alrededor de todo el lienzo con esta técnica. Deja secar la pintura en posición horizontal. Puedes aplicar barniz con pincel o en aerosol una vez que la pintura se haya secado. Deja orear el barniz. Consejos y advertencias Materiales tales como trozos pequeños de vidrio, arena, rocas y fibras pueden mezclarse directamente a la pintura para agregar textura a la composición.

Cómo seguir pasos para pintar al óleo

Para pintar al óleo se utilizan pinturas con base de aceite en lugar de pinturas con base de agua, las cuales se emplean para acrílico o acuarela. Dado que las pinturas con base de aceite no pueden lavarse sin agua, para pintar al óleo hace falta usar aceite de linaza a fin de disminuir el espesor de la pintura y aguarrás para removerla. Hay algunos lineamientos que puedes seguir para pintar al óleo sin complicaciones y que la pintura se adhiera adecuadamente al lienzo. Necesitarás Pinturas al óleo Pinceles Un paño Una paleta Instrucciones Prepara el espacio físico donde pintarás. Para ello, tiende una tela protectora sobre el piso, monta un caballete, ubica un lienzo sobre éste, y coloca una jarra de aguarrás y un paño cerca de tu lugar de trabajo. Coloca una buena cantidad de óleo blanco sobre la paleta. Moja un pincel chato en aceite de linaza, luego mezcla el aceite en la pintura al óleo color blanca con el pincel. Pinta con la pintura al óleo blanca sobre el lienzo con pinceladas largas horizontales. Cubre todo el lienzo. Esto servirá para preparar o imprimar el lienzo para tu pintura. Echa chorros de pintura al óleo sobre la paleta, con un espacio entre sí de aproximadamente dos pulgadas. Este espacio te permitirá mezclar los colores. Usa una espátula para mezclar los colores, combinándolos como prefieras. Aplica primero los tonos de pintura al óleo más oscuros sobre tu lienzo. Por ejemplo, cuando pintas un paisaje montañoso, aplica los colores de fondo más oscuros sobre la montaña, colinas, árboles y arbustos. En segundo lugar, aplica los colores de tonalidades medianas. Estos tonos serán más claros que los primeros y comenzarán a agregar definición a la pintura. Por último, aplica los colores claros. Éstos serán muy claros y agregarán luz a los objetos en tu pintura. Enjuaga tus pinceles, paleta y espátula con aguarrás. Quita el exceso con un trapo.